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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 20:48

 

Pablo Picasso

Biographie

 

 

Pablo picasso 1

 Pablo Picasso est un peintre, sculpteur et dessinateur, il est né le 25 octobre 1881 à malaga en (Espagne)
Son père est professeur de dessin, très jeune Picasso commença à l’imiter.

En 1892, son père l’oblige à suivre des études artistiques, il entre à 11 ans à l’école d’art de la Corogne ou son père est professeur.
En 1895, il entre à l’école des beaux arts de Barcelone avant de poursuivre à l’académie royale de San Fernando à Madrid.

En 1900, Picasso se rend pour la première fois à Paris avec son ami Casagemas.
En 1901 Casagemas se suicide. Très touché par cet événement, Picasso réalise plusieurs portraits de son ancien ami qui inaugure la période Bleue. Picasso s’installe dans l’atelier de Casagemas à Paris.
En 1904 Picasso s’installe définitivement à Paris au Bateaux-Lavoir. Il tombe amoureux de Fernande Olivier, ce qui égaiera quelque peu ses toiles.
En 1907, Picasso commence à créer des peintures beaucoup plus géométriques.
En 1937, alors qu’une guerre civile déchire l’Espagne, Picasso est très touché par le bombardement de la ville de Guernica.
Le 8 avril 1973 à Mougins, Picasso décède à l’âge de 92 ans.

 

 

Œuvres les plus célèbres :

 

les-demoiselles-d_avignon_picasso.jpgguernica_pablo_picasso-2.jpg

 

Les demoiselles d'Avignon                           Guernica, 1937, huile sur toile 349,3x776,6cm
1907, huile sur toile                                     Musée de la reine Sofia à Mardid
244x234cm
Musée d'art

moderne, New York

 

Paul_en_Arlequin.jpg

 

Paul en Arlequin, 1924
Huile sur toile
130x197cm
Musée National Picasso
Paris

picassocolombe

 

 

 

 

Colombe de la paix
Dessin sur affiche 1949

 

 

 

 

chevre

 

 

La chevre, 1950
Sculpture en platre
Musée Picasso

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Thèmes Principaux:

 

Période Bleu 1901/1904

 

Celle-ci est arrivée suite a la mort de son meilleur ami Carlos Casagemas. Picasso est boulverssé, il peint des gens misérables, seuls et tristes, toutes ses toiles sont bleues, de la couleur de la nuit, du froid et de la mort.

 

 

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picasso-autoportrait

 

 

La femme en bleu au béret, 1903
Huile sur carton
45x37cm

 

 

 

 

Autoportrait, 1901
Huile sur toile
81x60cm
Musée Picasso

 

 

 

Période rose 1904/1906

 

Celle-ci est arrivée à la suite de la rencontre de Fernande. Picasso tombe amoureux de celle-ci, sa peinture devient plus gaie, il "voit la vie en rose". Picasso passe ses soirées au cirque Médrano, il aime le monde joyeux des saltimbanques, il peint les acrobates, les jongleurs et surtout les arlequins.

 

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La famille d'acrobates avec un singe, 1905

Gouache, aquarelle, pastel, encre de chine
sur carton, 104x75cm

 

 

 

 

 

 

Les saltimbanques, 1905
Huile sur toile
212,8x229,6cm

 

 

Période du cubisme:

 

Picasso entre dans une nouvelle phase, marquée par l'influence de Paul Cézanne. La peinture peut être un jeu de construction,il décompose, analyse et reconstruit à l'aide de petits cubes comme les pièces d'un puzzle qu'on assemble une a une pour obtenir la figure entière. La peinture est d'une seule couleur, les tons plus ou moins foncés suggèrent le relief.

 

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Portrait de Kahnweiler, 1910
Huile sur toile
100,6x72,8cm

 

 

 

Pigeon aux petits pois
1911, huile sur toile
65x54

 

 

 

 

 

 

 

Période des papiers collés

 

Picasso se rend compte que la lecture de ses toiles cubiques devient difficile, pourquoi ne pas faire un tableau autrement qu'avec des pinceaux et des couleurs ? Il utilise donc des boîtes en carton, du papier collé, de la toile cirée...

 

picasso_nature_morte_a_la_chaise_cannee.jpg

violon.jpg

 

Nature morte à la chaise cannée

1912, huile et toile cirée sur toile encadrée

37x29cm

 

 

 

 

violon, 1913/1914
Boite en carton, gouache, fusain, craie
                                                    51,5x30x4

 

 

 

 

 

 

 

Citations:

 

"Un tableau ne vit que par celui qui le regarde."

"On met lomgtemps à devenir jeune."
"Je ne peins pas ce que je voit, je peint ce que je pense."
"Tout ce qui peut être imaginé est réel."
"J'essaie toujours de faire ce que je ne sait pas faire, c'est ainsi que j'espere apprendre à le faire."

 

Oeuvres de lui:

 

Picasso-la-femme-qui-pleure.jpg

le-reve-1932.jpg

 

La femme qui pleure
26 octobre 1937

huile sur toile
59,5x49cm

 

Ce portrait symbolise la douleur
des femme espagnoles
confrontées à la guerre civile.

Le rêve, 1932

Huile sur toile, 130x197


Ce tableau représente Marie-thérèse Walter,
sa jeune conquete révant sur un fauteuil.

 

 

picasso_crucifixion.jpg

 

 

 

La crucifixion, 1930

 

Huile sur contreplaqué

 

La crucifixion est l'un des thèmes
les plus représenté dans la peinture

religieuse européenne.

 

maya.jpg

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Maya à la poupée, 1938
huile sur toile
60x74cm

 

Ce tableau représente le portrait de sa fille.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

gurenica_compo_triangle.gif

                                                          Guernica, 1937, huile sur toile 349,3x776,6cm Madrid

 

 

 

 

Analyse de l'oeuvre

 

 

Contexte:

 

Ce tableau a été créé, en quelques semaines, sur commande des républicains pour le pavillon espagnol de l'exposition universelle de Paris de 1937. Cette toile inspirée du bombardement de la ville de Guernica le 26 avril 1937, devient le symbole des horreurs de la guerre. Picasso est terrifié, il veut exprimer sa révolte et montrer l'ampleur du massacre.

 

Description:

 

Ce tableau est monochrome (Blanc, gris, noir) symbole de mort. On peut voir des animaux et personnages déformés.

Pour montrer la souffrance, il allonge les membres, défforme les visages et les corps.

La toile est découpée en plans triangulaires.

La lecture du tableau se fait de droite à gauche à l'inverse du sens normal de lecture.

 

Au centre du tableau, la lampe, celle-ci domine la scène. Elle a la forme d'un oeil ce qui peut représenter l'oeil du peintre qui souhaite montrer sa perception.

Le taureau à gauche est le symbole de l'Espagne (corrida), il représente le monstre.

La mère juste en dessous du taureau représente le peuple qui souffre, elle tient un enfant mort dans ses bras.

Le personnage de droite est brûlé vif, il crit et pleure, signe de souffrance.
Le personnage au centre, allongé sur le sol est démembré, cela montre la violence et le combat jusqu'à la mort.

L'épée brisée est symbole de défaite, la fleur juste à côté, effacée est le signe d'un espoir qui disparait.

 

Sources:

 

Sites:

 

http://www.evene.fr/citations/pablo-picasso?page=4

http://kalideodie.free.fr/guernica.htm

http://www4b.ac-lille.fr~gsandbethune/IMG/pdf/cours_sur_Guernica_Pablo_Picasso-3.pdf

http://fr.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso

http://ecbaill.free.fr/dossiers/picasso/picasso.htm

 

Bibliographie:

 

1977 : Pierre Daix, La Vie de peintre de Pablo Picasso, Paris, Editions du Seuil, 414 pages

1990 : William Rubin, Picasso et Braque. L'invention du cubisme, Flammarion
1996 : Léo Steinberg, Trois études sur Picasso, coll. Arts et Esthétiques no 9, Éditions Carré
2009 : Pierre Daix, Picasso (biographie), Hachette littérature, 622 pages

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 20:05

GEORGE SEURAT

Georges Seurat 1888

 

George Seurat, est né en 1859 à Paris, et mort en 1891 dans la même ville. C'est un artiste peintre. Il avait pour mouvement artistique, le pointillisme. C'est lui qui a fait naître ce courant artistique en France au XIXsiècles. Issu de l'impressionniste, il consiste à peindre par juxtaposition de petites touches de peinture de couleurs primaires (rouge, bleu, jaune) et de couleurs complémentaires (orange, violet, vert). On perçoit néanmoins des couleur secondaires, par le mélange optique des six différents tons seulement.

En 1877, il s'inscrit aux Beaux-arts. Ses études sont interrompues par son service militaire qu'il effectue à Brest, où il réalise de nombreuses esquisses de bateaux, de plages et de la mer. En 1882, Georges Seurat se consacre à la maîtrise du noir et blanc et commence à peindre réellement. Il achève, en 1884,Une baignade à Asnière, le premier des sept grands tableaux qu'il va peindre dans sa courte vie. 


UNE BAIGNADE A ASNIERES

Une baignade à Asnières :

1884

Huile sur toile

201 × 300 cm

 

Georges Seurat 015

Le canal de Gravelines :

1883-1884

Huile sur toile
73 × 93 cm

 

seurat.models-copie-1.jpg

Les poseuses :

1887-1888

Huile sur toile

39,4 × 48,7 cm

 

images.jpg

Le chahut :

1889-1890

Huile sur toile

171,5 × 140,5

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Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte – 1884-1886 :

205,7 × 305,8 cm

Huile sur toile

Seurat a peint ce tableau en 1884-1886 sur l'île de la Grande Jatte appelée aujourd'hui Île de Jatte, située sur la Seine, entre Neuilly-sur-Seine, et Levallois-Perret sur sa rive droite, Courbevoie et le quartier d'affaires de La défense sur sa rive gauche. Elle a été rendue célèbre par les peintres impressionnistes qu'elle a inspirés, en particulierClaude Monet, Vincent Van Gogh et Alfred Sisley et bien sûr son peintre Seurat. Ce tableau fera sont plus grand succès.



Autres peintures :

« Les Pêcheurs à la ligne »

« Les terrassiers »

« La Tour Eiffel » 



Citations / phrases de lui :
« Plus nous serons nombreux, moins nous aurons d'originalité. »
« Les littérateurs et les critiques voient de la poésie dans ce que je fais. Non j'applique ma méthode c'est tout. »
« L'art c'est l'harmonie. L'harmonie c'est l'analogie des contraires, l'analogie des semblables, de ton, de teinte, de lignes. »



Les site :

http://www.impressionniste.net/seurat.htm

http://fr.wikipedia.org/wiki/Georges_Seurat

http://art.mygalerie.com/les%20maitres/seurat.html

http://membres.multimania.fr/seurat/Seurat/biographie.html

http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/seurat/

Livre : SEURAT

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 19:54

Biographie : Marc Chagall est né le 7 juillet 1887 en Biélorussie. C’est un peintre russe mais devient français en en 1937. Il meurt le 28 mars 1985 en France. Il commence à travailler à Saint-Pétersbourg. En 1910, il part à Paris étudier la peinture. C’est en 1914 que ses tableaux sont exposés pour la première fois. Dans les années 1930, il oublie la peinture pendant quelques temps et préviligie des voyages avec sa famille. En 1941, il est arrêté et part aux Etats-Unis. Ses œuvres sont à nouveau exposées en Europe. En 1948, il retraverse l’Atlantique et se réinstalle en France. C’est à Saint-Paul de Vence qu’il finira sa vie en 1985.

 

                                                         


Les 5 thèmes principaux des oeuvres de Marc Chagall sont : les portaits, les animaux, l’architecture, les paysages et les natures mortes.


Les citations de Marc Chagall :

« L’amour de ma mère pour moi était si grand que j’ai travaillé dur pour le justifier.  »

« Si toute vie va inévitablement vers sa fin, nous devons durant la notre, la colorier avec nos couleurs d’amour et d’espoir. »

« Un vase debout n'existe pas, il faut qu'il tombe pour prouver qu'il est stable. »

« Dans notre vie, comme sur la palette d’un artiste, une seule couleur donne tout son sens à l’art et à la vie : c’est la couleur de l’amour. »

 

Ces 5 œuvres principales sont : 

 

                  

                     Adam et Eve, 1961                                                                                  La danse, 1928

 

                   

         La madone du village, 1942                                                      Cantique des cantiques, 1958

 


 

                                                                           

                                                                       La crucifixtion, 1938

 

Analyse d'une oeuvre : 

La danse est un tableau de Marc Chagall, peint en 1928. La technique que le peintre a utilisé est la gouache. Les dimensions de ce tableau sont de 50 centimètres sur 65 centimètres.

 

                                           


Sur la gauche, on peut voir une femme, avec un éventail à la main qui est en train de danser, et à sa droite un homme qui lui joue du violon. Elle porte une robe. Les couleurs sont assez sombres. Il y a du blanc, et des nuances de vert et bleu. On peut penser que la femme danse pour quelqu'un, pour un public du point de vue qu'à choisit le peintre.

 

5 livres qui parlent de lui :

 

« Chagall livre d’images »

« Wyman shoots Chagall »

« Marc Chagall »

« Peintres juifs à Paris »

« Le monde renversé de Chagall ».

 

Sites : 

Wikipédia

Evene

Eternels Eclairs

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 19:50

              Gustave Caillebotte

 

 

 

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Biographie:

Gustave Caillebotte est né le 19 août 1848 dans une famille de riches négociants à Paris, rue du Faubourg St-Denis. Il est mort le 21 février 1894 à Gennevilliers. Il était âgé de 45 ans.

C'était un peintre français, collectionneur, mécène (= personne qui apporte une aide financière à un artiste) et organisateur de plusieurs expositions impressionnistes.

 

1870: Gustave Caillebotte termine ses études de droits. Il bifurqua très vite vers la peinture. Il peignit ses premières œuvres dans la propriété d'Yerres près de Paris où la famille passait la belle saison.

1873 : il entre à l’École des Beaux-Arts de Paris.

1874 : il visite la première exposition impressionniste et il eut ainsi l'occasion, de faire la connaissance des peintres de la nouvelle école qu'il allait fréquenter toute sa vie.

1880 : Gustave Caillebotte s'investit dans la plaisance sur la Seine et délaisse un peu la peinture.

Grâce à l’aisance financière hérité de sa famille, il c'est toujours investi à fond et donné les moyens de satisfaire ses passions, que se soit dans le domaine de l'art ou dans la pratique du jardinage ou du nautisme.

 

Il ne s'est jamais considéré comme un grand artiste, il était riche et n'avait donc pas besoin de vendre ses tableaux pour vivre.

À la mort de son père, il hérita d'une grosse fortune qu'il utilisa à juste titre. Elle devait lui permettre de vivre sans contraintes et de soutenir ses amis impressionnistes. Il acheta une première toile à Monet (« Régates à Argenteuil »), qui était dans le besoin. Lui prêtant de l'argent et payant même le loyer de ses ateliers successifs. Il acheta également plusieurs tableaux à ses amis au-dessus du prix normal. Certaines expositions impressionnistes furent financées par Gustave Caillebotte, qui sans lui n'auraient sans doute pas pu se tenir.

 

1888 :après s’être installé définitivement à Gennevilliers, Gustave Caillebotte fut élu au Conseil Municipal. Et comme à son habitude, il ne fit rien à moitié : il s’investit à fond dans la gestion de la commune, alla jusqu’à payer sur ses propres finances l’éclairage public, la réfection de voies publiques et l’uniforme des pompiers!

 

À sa mort il lègue sa collection de peintures impressionnistes à l’État( 67 tableaux ) dans son testament. Sa collection ne sera acceptée que partiellement après de longues hésitations. Les tableaux n'était pas peints par lui c'étaient ceux qu'il avait acheté à ses amis.

Ces oeuvres sonstituent aujourd'hui une part importante de la collection permanante du musée d'Orsay à Paris. 

Je n'ai pas trouvé de citations/phrases de lui.

 


                                             Ses œuvres



On pouvait reconnaître la plupart des œuvres de Gustave Caillebotte au premier coup d’œil. Ses compositions et ses cadrages étaient immédiatement reconnaissables.

Ses œuvres étaient originales. Il aimait les vues plongeantes (jamais le contraire, sauf quelques falaises normandes).

Les critiques de l'époque n'ont pas manqué de se moquer de l'impression de "glissade" qu'il provoque. Par ses nombreux dessins préparatoires, on sait que Caillebotte a mûrement réfléchi à la composition de ses tableaux. Plus tard, lorsque Caillebotte aura adopté la technique impressionniste, il n'abandonnera pas sa façon plongeante de voir les choses.

-Dans sa première période, la palette qu'utilise Caillebotte est sobre et classique. Ce n'est qu'à partir de 1877-1878 que son traitement se rapproche de celui des impressionnistes, avec une palette plus claire et des touches fragmentées.

Un autre aspect remarquable de certaines toiles de la période impressionniste de Caillebotte réside dans les épaisseurs souvent extrêmes qu'on y trouve. En effet, quand il n'était pas satisfait, il ne raclait pas ses applications au contraire, il ajoutait couche sur couche.

 

Ses thèmes principaux :

 

  • des vues de Paris faites depuis des balcons élevés

  • des scènes de la vie ouvrière

  • des paysages naturels de jardins et parcs

  • des scènes nautiques

 

Ses œuvres principales :

 

  • Les raboteurs de parquets (1875)

  • Le Pont de l'Europe (1876)

  • Les Jardiniers ( 1875-1877)

  • Canotiers ( 1877)

  • Jeune homme à la fenêtre (1876)

 


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Le tableau de Caillebotte Les Raboteurs de parquet à été crée en 1875. La technique utilisée est de l'huile sur toile. Le tableau à pour dimensions : 1m02 en hauteur et 1m47 en longueur. Il est actuellement conservé au musée d'Orsay à Paris.

Le tableau est refusé au Salon, sans doute choqué par ce réalisme cru ( certaines critiques ont parlé de « sujet vulgaire »).

Caillebotte va devenir intransigeant et ne reviendra plus devant les jurés. Cet échec face au jury du Salon l'aurait poussé à rejoindre le groupe des impressionnistes et présente son tableau à la seconde exposition du groupe en 1876. Les critiques sont impressionnés par cette grande page moderne.

Ce tableau constitue une des premières représentations du prolétariat urbain. (= classe sociale des travailleurs qui ne possèdent pour vivre que la force de leur travail ) . Les paysans ou les ouvriers des campagnes ont très souvent fait l'objet de tableau tandis que les ouvriers de la ville ont quant-à eux été très rarement l'objet de tableau.

Caillebotte a dessiné une à une toutes les parties de son tableau, avant de les reporter au carreau sur la toile.

Le sujet de ce tableau est inspiré à Caillebotte par la réfection de son parquet due à l’humidité de son domicile. La composition photographique de l’œuvre (lignes fuyantes, éclairage à contre-jour,l'impression que le parquet est incliné et que les bras des raboteurs sont rallongés) est l'une des principales raison du succès de cette œuvre. Le torse des raboteurs est celui de héros antiques.

C'est aujourd'hui l'une des plus célèbres œuvres présentées au musée d'Orsay.

 

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Le Pont de l'Europe (1876)

C'est de l'huile sur toile. Le tableau à pour dimension 124,7 x 180,6 cm. Il est actuellement exposé au musée du Petit Palais à Genèvre.

Le pont de l'Europe s'inscrit dans la période réaliste du peintre.

La scène se déroule près de la gare Saint-Lazare par une matinée de printemps. La lumière pâme et vive à la fois vient de la droite du tableau et passe entre la structure du pont en faisant des ombres aux tonalités grises et bleutées. Gustave Caillebotte joue sur les contrastes de couleurs.

Le regard est très rapidement entraîné vers le point de fuite donc vers le fond du tableau. Rien n’empêche le spectateur d’y accéder, il n’y a pas d’obstacles.

Caillebotte insiste sur les échanges dans ce milieu urbain. Deux catégories sociales peuvent se retrouver au même endroit.

                                             http://img11.hostingpics.net/pics/674864tmp1bc91a1ab0471b53f09a1e55c221c4ab.gif

Voiliers à Argenteuil (1888).

C'est de l'huile sur toile de dimension 65 x 55,5 cm.

Ce tableau est actuellement conservé au musée d'Orsay à Paris.

Caillebotte se fait remarque par ses bateaux luxueux, il était passionné de nautisme. Il se met donc naturellement à peindre des « canotiers » et des voiliers.

 

                                   http://img11.hostingpics.net/pics/936125tmp262dde8b69e0d68f5f8e057eff2e8964.gif

 

 

Henri Cordier (1883).

C'est de l'huile sur toile, il à pour dimensions 65 x 82 cm

Il est actuellement conservé au musée d'Orsay à Paris

Gustave Caillebotte a peint une série de portraits issues se son entourage bourgeois. Caillebotte peint ici son ami Henri Cordier en pleine concentration, entouré de livres, occupé à écrire dans une position mal définie. La mise en page coupe la figure à mi-corps en la combinant avec les éléments du décors.

 

 

                                       http://img11.hostingpics.net/pics/231588tmp0d0376180df1c49ed7753658d1d46efc.gif

Vue de toits (effet de neige) de 1878.

C'est de l'huile sur toile de dimension 64 x 82 cm.

Ce tableau est actuellement conservé au musée d'Orsay à Paris ( Don de son frère ).

Ses vues de toits suscitent peu de commentaires. Elles constituent pourtant un maillon important dans la série des représentations urbaines pour lesquelles Caillebotte est tant apprécié aujourd'hui. Ce tableau décrit à merveille l'atmosphère d'un jour d'hiver à Paris. Le ciel bas inonde de gris les toits enneigés à peine animés.

 

 

Bibliographie :

 

 

Sites :

 

 

 

 

 

Livres :

 

  • VINCIGUERRA Marjorie, Gustave Caillebotte, collectionneur au cœur de l'impressionnisme, Mémoire de recherche, Université Paris Ouest-La Défense, 2009-2010, sous la direction de Mme Claire Barbillon. 

     

  • Catalogue de l'exposition, Gustave Caillebotte, Paris, éditions de la Réunion des musées nationaux, 1994.

 

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 19:37

Biographie:

 

 manet2

Edouard Manet est un peintre français de la famille des  impressionnistes et réalistes. Il est né le 23 Janvier 1832 à Paris dans une famille bourgeoise . Il refuse de s’inscrire a la faculté pour suivre du droit malgré la pression de son père. En 1848 Manet tente sans succès de s’engager dans la marine. La même année, il embarque comme pilotin sur le bateau école à destination de Rio. Pendant son voyage, Manet dessine beaucoup. Son père se rend peu à peu à l’évidence que son fils est un artiste. En 1850, il s’inscrit comme élève du peintre Thomas Couture. En 1856, Manet quitte l’atelier de Couture pour ouvrir le sien avec le peintre Albert de Balleroy. Ensuite en 1861, il fait sa première exposition au Salon avec le portrait de M et Mme Manet. En 1862, un premier texte est écrit sur Manet par Baudelaire qui mentionne son travail. En 1863, il expose son fameux "Déjeuner sur l’herbe" au salon des refusés. Le tableau crée la polémique. En 1865, Manet expose "Olympia" et "le Christ moqué par les soldats" qui provoque un véritable scandale. En 1882,   Manet expose "Un bar aux Folies Bergères", l’une de ses œuvres les plus célèbres. Puis enfin le 30 avril 1883 Manet meurt de la gangrène à Paris. Il est enterré au cimetière de Passy.

 

 

Oeuvres:

 

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Portrait d'emilie Zola.                                                                                                                                                                           

1868 Huile sur toile

Musée D'Orsay  

Paris France
280px-Edouard Manet 004-copie-1

  Un Bar aux Folies Bergère

 1881 Huille sur toile

 96x130cm

 Insitutit courtauld

   

 

       

   

     claire de lune  

  Claire de lune sur le port de Boulogne 

 1869 Huile sur toile

  82x101cm

  Musée D'Orasy Paris

  280px-Edouard Manet 022

 

 

    L'éxecution de Maximilien

  1868 Huile sur toile 

   252x305cm

   Mannheim, Städtische Kunsthalle

                                   

 

 

 

 

 

Oeuvre principale:

 

 

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 Le déjeuner sur l’herbe a été peint en 1863. Il a été rejeté par les jurys du salon. Cette œuvre est donc exposée au salon des refusés sous le nom "Le Bain".

On peut apercevoir  à l’avant plan cette femme nue assise entre deux hommes habillés. A sa droite, il y a un panier de fruit et du pain comme dans une nature morte. A l’arrière plan se trouve une femme qui est vêtue d’un tissu presque transparent. Elle se baigne dans un petit ruisseau. La scène se passe dans un bois bucolique. 

  Cette œuvre fait un vrai scandale en raison de la femme nue qui est peinte. Ce qui choque le public est le réalisme de la nudité de la femme. Les jurys aiment la nudité uniquement sous forme mythologique. Cette œuvre n'est ici justifiée par aucun prétexte mythologique ou allégorique. Le panier renversé et les fruits non consommés, qui suggèrent que quelque chose d'autre aurait été consommé, accentuent la moralité douteuse de la scène.

Manet a utilisé une grande toile qui sied aux tableaux historiques.

Zola défendra le tableau de Manet  en écrivant un article sur cette oeuvre.

 

 

 Manet, Edouard - Olympia, 1863

Olympia a été réalise en 1863. On aperçoit une femme nue qui est allongée sur un divan drapé. Son pied gauche est encore chaussé. Elle est accoudée sur son bras droit. Sa main gauche cache son sexe. Elle regarde en face d’elle, vers les spectateurs. Il y a une femme noire derrière le lit, elle lui présente un bouquet de fleurs. Un chat noir se dresse sur la droite du lit. Sa queue est levée.

Ce tableau fait un scandale de  manière encore plus forte que le "déjeuner sur l’herbe". Le tableau, fait ressortir le contraste entre la femme blanche et la femme noire. il s'inscrit dans la tradition artistique dite de « l'odalisque à l'esclave"

 

 

 

Les citations de Manet:

 

- «La campagne n’a de charme que pour ceux qui ne sont pas obligés d’y habiter. »

- « Les premières places ne se donnent pas, elle se prennent. »

- « Qui donc a dit que le dessin est l’écriture de la forme ? La vérité est que l’art doit être l’écriture de la vie. »

- « C’est curieux comme les républicains sont réactionnaires quand ils parlent d’art »

 

 Lieux:

 

 

-Son séjour au Brésil lui a donné un gout certain pour l’exotisme.

-Lors de son second voyage  en Italie en 1857, Manet revient dans la cité des Médicis pour y croquer des fresques.

-Au Musée D’Orsay, plusieurs  œuvres de Manet y sont exposées.

 

Les thèmes:

-les thèmes principaux que l'on retrouve le plus souvent dans l'ensemble de ses oeuvres sont les portraits et les  femmes nues.

 

Bibiliographie:

 

Sites:

 

-Wikipédia

-Musée d'orsay

-Impressionnisme.net

 

Livre:

 

-Le Monde Manet 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 19:00

 

 

Gustave Doré.

                                                       220px-Paul_Gustave_Dore_by_Felix_Nadar_1855-1859.jpg

 

Gustave Doré de son vrai nom , Paul Gustave Louis Christophe Doré , est né le 6 janvier 1832 à Strasbourg. Gustave Doré était un illustrateur , graveur, sculpteur et artiste peintre. C'est à l'âge de 13 ans qu'il dessine ses premières lithographies et à 14 ans qu'on publie son premier album « Les Travaux d'Hercules». En 1848, Gustave est engagé comme caricaturiste au Journal pour rire de Phlippon. La même année, il débute au Salon avec deux dessins à la plume. A partir de 1851, tout en exposant ses toiles, il réalise quelques sculptures à sujets religieux et collabores à diverses revues dont « Le journal pour Tous». De plus en plus reconnu, il illustre entre 1852 et 1883 plus de cent volumes qui parurent en France mais également en Angleterre, en Allemagne et en Russie, ou il fit quelques séjours.
Gustave Doré peint aussi bien des paysages que des sujets historiques ( religieux) ou de la vie de tous les jours tel que « Les saltimbanques» immense toile réaliste de 2,24 m sir 1,84 m

                                                         medium_gustavedorelessaltimbanrn6.jpg

Description: Les Saltimbanques représentent une famille dont l'enfant, dans les bras de sa mère, est blessé. On voit ici la tristesse des parents et la blessure de l'enfant sur le front dans des tons plutôt pâle qui s'oppose au fond sombre du tableau. Il ya aussi deux chiens dont un de dos et l'autre près de son maître. Il y a également un hiboux perché près de là femme. Les divers éléments présent au premier plan nous indiquent les différents numéros réalisés par les personnages et animaux pour le spectacle de cirque de rue. Les autres personnages présent au fond du tableau ont eux aussi cessés leurs activités pour observer la scène en silence. On peut voir que l'animation dans la rue a laissé place à une scène dramatique.
 

Gustave réalise des sculptures dont la plus célèbre fut réalisée en 1880 « La statue d'Alexandre Dumas» place Malesherbes à Paris.

            medium_Dumas496.jpg                                                paris_17_dore_2.jpg               

 

Il réalise également « La Défense Nationale» en bronze.

En 1854,il illustre l'édition des œuvres de Rabelais de Joseph Bry cette date marque alors le début de sa grande carrière en tant qu'illustrateur. 

medium Sans titre 1e     Pantagruel et Gargantua.

 

 

Il illustre de nombreux contes tels que les contes drolatiques de Balzac, les contes de Perrault, la Bible...

 

Thèmes qui l'inspire:

 

-Légendes celtiques

 -Romantisme

-Réalisme
-Religion

 

 

                                      Dore Viviane-3-252d9

Viviane et Merlin vers 1867, grand huile sur toile, 171×122 cm exposé à Londres au Whitford Fine Artl.

 

                               

 

Citation:

 

Il a dit à propos des populations pauvres de Londres «C'est pour eux que je travaille»

      Je n'ai pas trouvée plus.

 

Sites:

 

http://fr.wikipedia.org/wiki/Nadar

http://www.evene.fr/celebre/biographie/gustave-dore-41165.php

 

 

                                             Dore_Calvaire.jpg

Le calvaire, dit aussi la Crucifixion, 1877, Huile sur toile , 109,8 ×170.2 cm

                                   Exposé au Musée d'Art Moderne à Strasbourg. 

 

Il meurt le 23 janvier 1883 à Paris d'un crise cardiaque à l'âge de 51 ans .

 

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 18:28

Biographieimages

Mathurin Méheut est né le 21 mai 1882 à Lamballe. Il entre à l'école des beaux arts de Rennes en 1897. Sa carrière débute par une collaboration avec la station de biologie marine de Roscoff. C'est là qu'il crée les bases de l'ouvrage Étude de la mer 1913-1914 sous la direction de Maurice Pillard. Il est devenu peintre officiel de la marine en 1921. En 1923 il fait une exposition personnelle à San Fransisco. En 1940 il enseigne à l'école des beaux arts de Rennes. Il est nommé professeur à l'école Boulle en 1919. Mathurin Méheut devient académicien de la marine en 1956. Le 22 février 1958, Mathurin Méheut décède à Paris.
Mathurin Méheut est né à Lamballe en Bretagne. Il se marie avec Marguerite Rouja au Mans en 1905. Le couple se fixe à Paris dans le 15e arrondissement. Il a été à San fransisco pour son exposition personnelle en 1923. Il a aussi fait un voyage à hawai puis au Japon grâce à la « Bourse autour du monde » au cours de laquelle il produit un grand nombre de dessins, véritable témoignage de la vie dans les tranchées, il fut interrompu par la mobilisation préludant la Première Guerre mondiale. Méheut rentre en France et est incorporé en octobre au 136e régiment d'infanterie d'Arras. Il a enseigné à l'école des beaux arts de Rennes en 1940.

 

Ses oeuvres principales :

mer calme a duon "Mer calme à Duon" Gouache sur papier 27x21 cm
Goemoniers-au-large-de-Roscoff.jpg  "Goémoniers au large de Roscoff" Aquarelle sur papier 26x20 cm

 

Sieck.jpg  "Sieck" Aquarelle sur papier 14x13 cm

 

Le-ravaudage-du-filet.jpg  "Le ravaudage du filet" Aquarelle sur papier 14x23 cm

 

Les-thoniers.jpg "Les thoniers"
On reconnaît , dans cette gouache sur papier gris de Méheut , en arrière plan , les remparts de la ville Close à Concarneau .Toutes voiles dehors ,les thoniers célèbrent la fin d'une campagne .Sans même un regard d'une femme qui semble détachée de l' événement tandisquelesgoélandsvaquent à leurs occupations quotidiennes.

Les thèmes qui reviennent souvent c'est la pêche, la mer, les bateaux, la Bretagne.

D'autres oeuvres :

Le Thonier
Les demi lunes
Marée basse au pied de la ville close
Entrée de la ville close
Les pécheurs de thons

En 5 livres:

-Denise Delouche, Anne de Stoop et Patrick Le Tiec, Mathurin Méheut, éditions du Chasse Marée, 2e édition, 2004
-Élisabeth, Hélène et Patrick Jude, Voyage d'un peintre breton au Japon, Mathurin Méheut avril-août 1914, éditions Ouest-France, 2004
-Patrick Jude, Mathurin Méheut, richesse & diversité, éditions Ouest-France, 1997
-Élisabeth et Patrick Jude, "Mathurin Méheut, 1914-1918, des ennemis si proches", éditions Ouest-France, 2001

Sites utilisés:

- http://www.armel-gallery.com/?p=productsList&sWord=mathurin+meheut

-http://fr.wikipedia.org/wiki/Mathurin_M%C3%A9heut#Bibliographie

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 18:26

 

Auguste Rodin

 

 

Auguste Rodin

Biographie :                       

Auguste Rodin est l’un des plus grands sculpteurs français de la seconde moitié du 19e siècle. Il est né le 12 novembre 1840 à Paris dans une famille recomposée avec un père, Jean-Baptiste,  qui était d'origine normande et d’une mère, Marie Cheffer, d'origine lorraine.  Il a une demi-sœur Clothilde du premier mariage de son père qui c’est écartée de la famille lors de son remariage. Auguste avait une sœur aînée, Maria. A cause d’une forte myopie il fait des études médiocres et à des problèmes en ce qui concerne le français. Il est admis en 1854, à 14 ans, à l'École Spéciale. En 1857 il quitte « la petite école » Il tente le concours d'entrée à l'École des Beaux-Arts, dont il réussira l'épreuve de dessin ; mais il échouera trois fois de suite à celle de la sculpture car  son style   n’est pas conforme aux traditions néo-classiques qui y régnaient. Donc pour vivre il s'engage comme artisan-praticien dans des ateliers de divers sculpteurs.

En 1864 il rencontre Rose Beuret, une ouvrière couturière âgée de 20 ans, elle lui servira de modèle et va devenir sa maitresse et ensuite sa femme. Il aura avec elle un fils Auguste Eugène Beuret, qu'il ne reconnaîtra jamais. En 1870, Rodin accompagne le sculpteur belge Antoine-Joseph Van Rasbourgh à Bruxelles où il participe aux travaux de décoration de la Bourse du Commerce. Il est mobilisé comme caporal dans la Garde Nationale au moment de la guerre Franco-Prussienne de 1870.

En 1875, il réalise un de ses grands rêves en voyageant en Italie pour découvrir les trésors artistiques de Turin, Gênes, Pise, Venise, Florence, Rome, Naples et « découvrir les secrets » de Donatello et surtout de Michel-Ange.

Ensuite il retourne à Paris et commence à réaliser ses premières sculptures tels que, L’Age Darain et le Saint Jean Baptiste puis il part en voyage en Angleterre pour apprendre la gravure et dès son retour, il réalise les figures sculptées d’Adam, d’Eve et le célèbre Penseur. Ensuite il fait la connaissance de Camille Claudel en 1883, elle deviendra sa brillante jeune élève puis sa muse, alors âgée de 19 ans elle partage l’atelier d’auguste et participera activement dans des travaux menés en commun comme la création du monument Les Bourgeois de Calais.

Puis il aura une relation amoureuse avec elle pendant 15 ans mais il refusa sa demande au mariage.  

En 1884 il a réalisé l'Éternel Printemps probablement inspirée de cette passion pour Camille. Pendant des années il va avoir des changements dans sa vie. Il va devenir officier de la légion d’honneur puis il va s’installer avec sa femme. Plusieurs de ses sculptures vont être placés dans des musées. Il va se faire construire un hôtel qui est maintenant le musée Rodin.

Après 53 ans de vie commune, il décide épouser Rose Beuret à Meudon. Rose s'éteint le 14 février 1917 à 73 ans, et Auguste Rodin le 17 novembre.

 

 

Œuvres :

                     

                    

        le baiser                                                    portrait de Balzac

            Le baiser                                                           Portrait de Balzac

1890 Statues en marbre et bronze                          1897 en bronze(2,70 m × 1,20 m)

        Musée Rodin, Paris                                                  Musée Rodin, Paris                          

 

                                                                      

                                         

                                                                          l'éternel Printemps

                                                                      L’éternel Printemps

                                1884 Statues en marbre et bronze

                                                                        Musée Rodin. Paris         

                                                                

        les bourgeois de Calais Victor Hugo

Les bourgeois de Calais                                               Victor Hugo (Beaux-arts de Besançon)

1889  (Dim; H:219,5cm X L:266cm X P:211,5cm)                    1884 - Victor Hugo de trois-quarts

Musée Rodin, Paris, France.                                              Gravure à la pointe sèche

                                                                               Dim partie gravée; H:22,2cm X L:15cm

 

Œuvre Principale :   


Le Penseur est l'une des plus célèbres sculptures en bronze d'Auguste Rodin. Elle représente un homme en train de méditer, semblant devoir faire face à un profond dilemme.

 

 

                                                         le Penseur

                                Auguste Rodin -1902 - en Bronze (2m x 1.30m x 1.40m) Musée Rodin Paris.

 

    

Tout d'abord appelée Le Poète, cette pièce fait partie d'une commande du musée des Arts décoratifs de Paris qui voulait créer un portail monumental basé sur La Divine Comédie de Dante. Chacune des statues de cette pièce représentait l'un des personnages principaux du poème épique. Le Penseur  devait au départ représenter Dante devant les portes de l'Enfer, méditant sur son poème. L'homme sculpté est nu car Rodin voulait que sa figure héroïque à la Michel-Ange représente aussi bien la réflexion que la poésie.

 

Rodin a réalisé le modelage original en plâtre de 71,5 cm de haut vers 1880, celui-ci a été exposé pour la première fois à Copenhague en 1888.

 

Le premier moulage en bronze est achevé en 1902, mais n'est présenté au public qu'en 1904. Devenu la propriété de la ville de Paris grâce à une campagne de dons organisée par des admirateurs de Rodin, il est placé devant le Panthéon en 1914, avant d'être transporté en 1922 à l'hôtel Biron, transformé en musée Rodin.

 

 

 

Thèmes de Rodin

Les sculptures et les dessins de corps nues

Les portraits (gravures) de personnages célèbres du XXe siècle (ex : Victor Hugo…)

Les dessins de personnages réels ou fictifs

 

Citations de Rodin

 

« Un art qui a de la vie ne reproduit pas le passé ; il le continue.  »

 

« Il n'y a réellement ni beau style, ni beau dessin, ni belle couleur : il n'y a qu'une seule beauté, celle de la vérité qui se révèle.  »

 

 « Les compliments sont des bonbons dont les femmes raffolent toute leur vie ; jeunes, pour les croquer à pleines dents ; vieilles, pour les faire fondre doucement entre leurs dents.  »

 

« Quand un bon sculpteur modèle des corps humains, il ne représente pas seulement la musculature, mais aussi la vie qui les réchauffe.  »

 

«Je n'invente rien, je redécouvre. »

 

 

Bibliographie

Livres :

Ø  Dictionnaire de la langue française – Hachette

Ø  Encyclopédie Larousse

 

Sites :

Ø  Wikipédia

Ø  www.musee-rodin.fr

Ø  www.evene.fr/citations/auguste-rodin

 

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 18:04

 

Biographie :

 

http://www.repro-tableaux.com/kunst/jean_auguste_dominique_ingres_30/selbstbildnis1858.jpg

 

Jean-Auguste Ingres est un peintre néo-classique né le 29 Août 1780 à Montauban, une ville qui se situe dans le département de Tarn-et-Garonne en région Midi-Pyrénées. Il connait la peinture avec son père qui est peintre et s’entraine à recopier ce qu’il fait. Il est envoyé à l’Académie Royale des Beaux-arts à Toulouse en 1791 par sa famille. Il prend aussi des cours de violon, sa deuxième passion. Il devient deuxième violon à l’Orchestre du Capitole de Toulouse. C’est de cette passion que naitra l’expression « avoir un violon d’Ingres ».

 

 En 1796 il s’installe à Paris et travaille dans l’atelier de Jacques-Louis David qui devient son professeur. Il apprend beaucoup de choses, et s’améliore. C’est dans l’atelier de David qu’il peindra «  Napoléon Ier sur le trône impérial ».En septembre 1801 il reçoit le grand prix de peinture avec son tableau  « Achille recevant les ambassadeurs d’Agamemnon ».

 

Il part alors pour Rome à la Villa Médicis où il peint « La Grande Baigneuse » et quelques autres œuvres. La situation est devenue difficiles à Rome et il doit retourner à Paris en 1824, mais avant, il fait un voyage à Florence avec sa femme, Madeleine Chapelle.

 

A son retour en France il est très bien accueilli dans les Salons, il se propose à l’Académie Royale des Beaux-arts et sera élu un an plus tard. Il y devient professeur et forme de nombreux élèves. Il peindra « Le portrait de Monsieur Bertin » et « le Martyre de Saint Symphorien ».

 

Il repart ensuite pour Rome en 1835 et devient directeur de la Villa Médicis puis de l’Académie de France, il peint en 1840 la célèbre œuvre « L’Odalisque à l’esclave ».

De retour en France en mai 1841,  il devient membre de l’Académie Royale des Beaux-arts d’Anvers. Napoléon III le nomme aussi grand officier de la Légion d’honneur.

Il décèdera le 14 janvier 1867 à l’âge de 86 ans et sera enterré au cimetière du Père Lachaise à Paris.  

 

 

Ses Œuvres :

 

Ingres a peint essentiellement 3 genres d’œuvres : la peinture d’histoire, les portraits et les nus féminins.

 

Ses cinq œuvres principales sont :

 

« Napoléon Ier sur le trône impérial » peinte en 1806, de composition historique. Elle représente l’empereur Napoléon en costume de sacre.http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/28/Ingres%2C_Napoleon_on_his_Imperial_throne.jpg

 

 

« La Grande Baigneuse » peinte en 1808, est un chef d’œuvre du nu féminin. Elle est aussi connue sous le nom de Baigneuse Valpinçon. Elle est conservée au musée du Louvres à Paris. Ce tableau représente une femme nue, de dos, coiffée d’un turban et assise sur un lit. Elle est représentée au centre de la lumière. Aucun mouvement ne se dégage de cette scène qui parait figée mais une impression de simplicité et de sérénité ainsi qu’un effet de sensualité. Pour faire ce tableau Ingres s’est inspiré de Raphaël. Elle fit d’ailleurs un triomphe en 1855 lors de l’exposition Universelle. http://mini-site.louvre.fr/ingres/images/grandes-html/valpincon.jpg

 

« Le portrait de Monsieur Bertin » peinte en 1832, représente Louis-François Bertin. Avec ce tableau il réalise le modèle type du portrait bourgeois.http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ec/Louis-Francois_Bertin.jpg/280px-Louis-Francois_Bertin.jpg

 

« Le martyre de Saint Symphorien » peinte en 1834, qui est une œuvre de composition historique, mais elle est incomprise et fortement critiquée. http://mini-site.louvre.fr/ingres/images/grandes-html/symphautun.jpg

 

« L’Odalisque à l’esclave » peinte en 1840, œuvre très célèbre du nu féminin. http://www.christiangarcia.ch/wp-content/uploads/odalisque-esclave-ingres-1866862c7f.jpg

 

 

Citations :

 

- « Le dessin est la probité de l’art »  Jean-Auguste Ingres.

 

- « Avec le talent, on fait ce qu’on veut. Avec le génie, on fait ce qu’on peut. » Jean-Auguste          Ingres.

 

- « La photographie, c’est mieux qu’un dessin, mais il ne faut pas le dire » Jean-Auguste Ingres.

 

- « Il est notre maitre à tous » Pablo Picasso en parlant d'Ingres. 

 

 

Bibliographie :

 

- Bohumir Mraz, Ingres dessins, éd. Cercle d’Art.

 

- Gaëtan Picon, Ingres, Skira, 1980.

 

-Georges Vigne, Les dessins secrets de Monsieur Ingres, Toulouse, 1997, Le Pérégrinateur Editeur.

 

-Christian Jamet, Monsieur Ingres et Madeleine, roman, Paris, L’Harmattan, 2004.

 

 

Expression  « avoir un violon d’Ingres » :

 

Avoir un violon d’Ingres c’est avoir une activité à laquelle on aime se consacrer en dehors de sa profession pour se distraire de ses préoccupations et satisfaire une passion telle que le sport,  la passion d’une collection, la musique, la peinture, le jardinage...

 

 


Les sites :

 

http://www.evene.fr/celebre/biographie/jean-auguste-ingres-2745.php

http://www.linternaute.com/biographie/jean-auguste-dominique-ingres-1/

http://www.musimem.com/ingres.htm

http://www.impressionisme.wikibis.com/jean-auguste-dominique_ingres.php

http://fr.wikipedia.org/wiki/Jean-Auguste-Dominique_Ingres

http://universdesarts.fr/biographie/76/ingres-jean-auguste-dominique.html

http://fr.wikipedia.org/wiki/Portrait_de_monsieur_Bertin

http://fr.wikipedia.org/wiki/Napol%C3%A9on_Ier_sur_le_tr%C3%B4ne_imp%C3%A9rial

http://www.evene.fr/citations/mot.php?mot=ingres

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 17:08

salvador-dali-copie-2.jpg

 

Biographie

 

Salvador Dalí de son vrai nom Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech est né à Figueras(Espagne) le 11 Mai 1904 et est mortle 23 Janvier1989à Figueras. Il peint son premier tableau a l'âge de sept ans. L'été 1918, à l'âge de 14 ans, Dalí présente ses premiers tableaux dans une exposition des artistes locaux au Théâtre municipal de Figueras. Après avoir obtenu son bac facilement, il entre à l'école des beaux-arts de San Fernando à Madrid.En 1925,il est exclu pour indiscipline et est renvoyé de son école. Durant un an il peint des toiles cubistes dans sa chambre. En novembre, sa première exposition personnelle se déroule à la Galerie Dalmau à Barcelone ; Picasso et Miro commenceront à s’intéresser à ses travaux. L'année suivante, il va en voyage à Bruxelleset à Paris, il rencontre Picasso, celui-ci sera très impressionné par ses œuvres. Il sera définitivement exclu de son école cette même année. EnJuin 1931, Pierre Colle organise sa deuxième exposition. Les années suivantes ils s'écarte totalement du surréalisme. Dans les années 1950, plus précisément en 1958, il étudie les peintres du passé ainsi que les thèmes religieux et historiques occidentaux. Il se lance également dans l'art optique. Le 8 août 1958, Salvador se marie avec Gala à la Chapelle des anges en Espagne. Par la suite, on la retrouve beaucoup dans ces tableaux. Le 28 septembre 1974, se déroule l'inauguration du Teatro Museo Dalí qui se trouve en Espagne dans sa ville natale. En 1983, il abandonne définitivement la peinture, sa dernière œuvre fut la queue d'Aronde.

 

Ses oeuvres

 

 


 

 Jeune fille debout à la fenêtre (1925)

 

Le dos féminin est un sujet que Dali adorait, c'est pour cette raison qu'on en retrouve dans beaucoup de ses oeuvres. Ce tableau, comme beaucoup de ceux, peints à la même époque, fonctionne avec un système en écho : les voilages qu'on retrouve dans les habits de la jeune fille, les rideaux ainsi que les vagues et les formes de colline en arrière plan. Dali utilisait beaucoup ce genre de paysage dans ses tableaux. En effet, il fait référence à sa terre natale, l'Ampurdan sur la côte catalane en Espagne.

 

 

 La persistance de la mémoire (1931)

Ce tableau représente un paysage des rochers du Cap de Creus. Quatres montres sont représentés; une seules est rigide et couvertes de fourmis (insectes que Dali associait souvent à la mort). Les montres molles, qui nous parlent du temps qui s'étire, sont placés sur trois objets très différents : un cube de glaise, un arbre mort et une forme qui figure un visage ou un animal à terre. Elles symbolisent et évoquent le fait que le temps n'est pas le même pour tous. Chaque être à un temps qui lui est propre. Mais aucune montre n'indique l'heure.

 

 

L'ascension du Christ (1958)

 

Un triangle enserre le raccourci parfait du corps positionné au centre d'un cercle transparent. Ce jeu de forme géométrique est caractéristique de cette étape de sa carrière. Suivant un des principes de Dali, le visage du Christ est invisible. Le corp est dominé par la colombe du Saint-Esprit, symbolisant ce retour du Christ vers le Père. Une ligne d'horizon très basse fait apparaître un paysage maritime.

 


 

 

      La corbeille de pain (1926)

 

Cette oeuvre fut réalisé peu avant la fin de ses études à Madrid. Une corbeille de pain est représenté avec 4 tranches de pain, l'une d'entre elle est beurrée. L'ensemble est posé sur une nappe blanche. Au centre, l'envers de la nappe est représenté laissant apparaître les détails du tissu de façon très nette. Le fond est sombre, voire noir.

 


La métamorphose de Narcisse (1937)

 

La métamorphose de Narcisse représente une double métamorphose. Le personnage occupe la partie gauche du tableau, ses contours se reflettent dans l'eau. Sa tête est appuyé contre son genou, il se courbe, probablement pour admirer son reflet dans l'eau.

A côté, on aperçoit la double image avec la transformation de Narcisse. Ici, la tête est remplacé par une boule de pierre, qui est en même temps l'image d'un oeuf. Une main squelettique tient l'objet en question.

Entre les deux images, se tient un groupe de personnes que le peintre appellent les "hétérosexuels" et qui, selon lui, se compose d'un Hindou, d'un Catalan, d'un Allemand, d'un Russe, d'un Américain, d'une Suédoise et d'une Anglaise; ce seraient les prétendants des deux sexes qui s'approchent de Narcisse.

 

Ses thèmes

 

Ses thèmes principaux étaient fondés sur le surréalisme, sa femme Gala, l'histoire et la religion occidental. Ses tableaux sont souvent géométrique.

 

Ses phrases et citations

 

" Les grands artistes sont tous des impuissants. "

" A quoi sert la lumière du soleil, si on a les yeux fermés. "

" Ceux qui ne veulent imiter personnes ne créent jamais rien. "

" Le moins que l'on puisse demandé à une sculpture, c'est qu'elle ne bouge pas. "

" Lorsque les trains déraillent, ce qui me fait de la peine, ce sont les morts de première classe. "

 

Bibliographie

 

http ://dalisalvador.free.fr/referencement.html

http://fr.wikipédia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD

http://www.eternels-eclairs.fr/tableaux-dali.php

 

 


 


 

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