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17 novembre 2012 6 17 /11 /novembre /2012 23:14

Biographie:

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ed/Camille_Corot-Nadar_corrected.jpg

 

Jean Baptiste Camille COROT est un peintre français, ses mouvements sont le néo-classique et l'impressionisme. Il est considéré comme le père fondateur de l'impressionisme.

 

Ses dates :

 

- sa naissance le 17 juillet 1796, à Paris.

- en 1822,il finit par convaincre ses parents de l'autoriser à suivre une carrière de peintre (en effet il faisait un apprentissage de  négociant en draperie mais cela ne l'intéressait pas beaucoup).

- dès 1831, grâce aux impressions gagnées lors de ses voyages en Italie, il expose régulièrement ses oeuvres avec un grand succès dans les salons parisiens.

- en 1835, il présente au salon de la peinture et de la sculpture son oeuvre : "Agar dans le désert" qui représente une illustration d'un épisode de la Genèse.

-il est mort le 22 février 1875.

Ses lieux:

 

-la France son pays d'origine, il voyage dans plusieurs endroits de la France comme la Bretagne, la Provence, la Bourgogne et l'Auvergne pour se rendre chez des amies.

-l'Italie, pays où il a été vivre trois fois (la première fois de 1825 à 1828, la deuxième fois en 1834 et la dernière fois en 1843).

-le Salon de la peinture et de la sculpture où il se rend pour exposer ces oeuvres.

 

Les thèmes qui l'inspirent : 

 

-les paysages

-les portraits

-les sujets historiques

-les sujets mythologiques

 

Ses ouevres :

ME0000101603_3.jpg

Agar dans le désert

 

 

Citations ou phrases parlant de lui :

 

- "Il y a un seul maître, Corot. Nous ne sommes rien en comparaison,rien. Claude Monet, 1897.

-"Il est toujours le plus grand, il a tout anticipé.." Edgar Degas, 1883.

-"Le tout c'est d'avoir du géni à vingt ans et du talent à quatre-vingts." Camille Corot.

-"Des 1500 toiles que j'ai peintes, il s'en trouve 3000 en Amérique." Camille Corot.

-

 

Analyse d'une oeuvre :

 

jean-baptiste-camille-corot-tivoli-les-jardins-de-la-villa-.jpg

Tivoli les jardins de la Villa d'Este (1843)

 

Cette huile sur carton représente un paysage, les dimensions de cette oeuvre sont 43X60 Ce tableau a été peint en 1843 lors du dernier voyage en Italie de Jean Baptiste Camille Corot. Elle est exposée au musée du Louvre, à Paris. Corot utilise le pinceau et peint de façon unie pour en dégager une certaine atmosphère. Sur ce tableau on observe trois plans.

 

liens :

http://www.culture.gouv.fr/public/mistral/joconde_fr?ACTION=CHERCHER&FIELD_98=APTN&VALUE_98=%20Corot&DOM=All&REL_SPECIFIC=3

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16 novembre 2012 5 16 /11 /novembre /2012 14:34

William Turner

 

Biographiehttp://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/76/Turner_selfportrait.jpg/220px-Turner_selfportrait.jpg

 

 

Joseph Mallord William Turner est un peintre, un aquarelliste et un graveur britannique. 

Il est né le 23 avril 1775 à Londres et il est mort le 19 décembre 1851 à Chelsea à 76 ans.

Ses mouvements sont l'Académisme et le Romantisme.

Il est également considéré comme un précurseur de l'Impresionnisme.

Turner est un grand voyageur : l'Italie, la France, les Pays-Bas, tous les coins de l'Angleterre... Il a vu beaucoup de choses dans sa vie, des choses qui l'inspireront tout au long de sa prestigieuse carrière.

Il a pour modèle d'inspiration Claude Gelée, dit Le Lorrain.

On peut retenir quelques dates importantes de sa vie :

Le 11 décembre 1789, à 14 ans, il fait son entrée à L'Académie Royale des Arts, à Londres.

En 1796, à 21 ans seulement, on expose pour la première fois une de ses oeuvres : "Pêcheurs en mer" (huile sur toile)

En 1802, à 27 ans, il devient membre de l'Académie.

En 1804, à 29 ans, il possède sa propre galerie à la Tate Gallery de Londres.

En 1807, à 32 ans, il est nommé professeur de perspective à l'Académie.

En 1819, à 44 ans, il séjourne en Italie, séjour qui l'aura beaucoup inspiré, il y reviendra au cours de sa vie.

Ici à droite, son autoportrait peint en 1798.

 

 

William Turner en 5 lieux 

 

 

Turner naît à Londres, à Covent Garden.

Il fait sa brillante carrière à l'Académie Royale.

La majorité de ses oeuvres est conservée à la Tate Gallery de Londres.

Il meurt à Chelsea et il est enterré à la cathédrale Saint Paul dans la capitale anglaise.

 

 

Quelques oeuvres :

 

La traversée du ruisseau

 

 

http://2010.mazellier.fr/0_images/Turner_Traversee_du_ruisseau.jpg

 

 

Nom original : Cross the brook

Huile sur toile peinte en 1815

Dimensions : 193 cm x 165 cm

Emplacement actuel : Tate Gallery, Londres

 

 

Pêcheurs en mer


 

http://www.repro-tableaux.com/kunst/joseph_mallord_william_turner/5496000.jpg

 


Nom original : Fishermen at sea

Huile sur toile peinte en 1796

Dimensions : 91 cm x 122 cm

Emplacement actuel : Tate Gallery, Londres

 

 

Boulevard des Italiens


 

http://france.jeditoo.com/IleDeFrance/Paris/2eme/Picts/boulevard-des-italiens-turner.jpg

 


Nom original : Paris-Boulevards

Aquarelle peinte en 1832

Dimensions : 13,5 cm x 18,5 cm

Emplacement actuel : collection privée

 

 

La bataille de Trafalgar


 

http://www.tate.org.uk/art/images/work/T/TW0/TW0522_9.jpg

 


Nom original : The battle of Trafalgar

Huile sur toile peinte en 1823-1824

Dimensions : 259 cm x 365,5 cm

Emplacement actuel : National maritime museum (musée national maritime), Londres

 

 

Analyse plus poussée d'une oeuvre

 

 

Pluie, vapeur et vitesse


 

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Rain_Steam_and_Speed_the_Great_Western_Railway.jpg/280px-Rain_Steam_and_Speed_the_Great_Western_Railway.jpg

 


Nom original : Rain, steam and speed-The great Western railway

Huile sur toile peinte en 1844

Dimensions : 91 cm x 121,8 cm

Emplacement actuel : National gallery (galerie nationale), Londres

 

Description

 

Sur cette toile, on peut voir un train passant sur un pont, au dessus d'une rivière. Il y a un paysage brumeux, à droite, des champs, une ville au loin. A l'avant de la locomotive noire, on peut voir quelque chose qui brille, comme si cette chose brûlait, incandescente. Il semblerait que cela figure la chaudière poussée à sa capacité maximale.

Le train semble surgir d'un rideau de pluie et de brouillard mêlés.

 

Le ciel

 

Il est particulièrement brumeux, rappelant le climat anglais, mais surtout, la façon personnelle qu'a Turner de représenter la lumière.

 

Le pont 

 

C'est le pont de chemin de fer de Maidenhead, un pont de brique peu élevé qui rend la circulation des trains plus rapide grâce à ses 4 voies. De plus, il s'agit du chemin de fer le plus rapide d'Europe à son époque.

 

Le fleuve

 

Ce fleuve, c'est la Tamise. Il se distingue à peine du ciel, avec son aspect brumeux.

 

Le train

 

C'est un des modèles les plus perfectionnés de l'époque : un "Firefly Class". Turner aime observer ce genre de train. Il faisait la gloire de l'Angleterre en atteignant la vitesse de 150 km/h.

Il semble aller très vite, car l'avant de la locomotive semble brûlant et on peut également voir de la fumée au dessus de lui.

 

Interprétation

 

Sur ce tableau, la perspective est faite de sorte que l'oeil soit attiré vers le train, tout le reste est organisé autour de lui.

Cette oeuvre, qui semble imprécise, trop floue, a en réalité un assez grand nombres de détails importants qu'il faut bien observer.

Pour approfondir encore plus l'analyse de cette oeuvre, il faut "fouiller" un peu sur le tableau.

Et on comprend que Turner ne parle pas seulement des progrès techniques, mais des changements du monde et des hommes en général...

 

A l'arrière plan, on observe un paysage de campagne, paisible et simple. A droite, en bas, on peut voir un laboureur dans son champ ; à gauche, en bas également, on voit des gens (des filles ?) qui semblent danser au bord de l'eau, un bateau qui navigue paisiblement, et pour finir, un vieux viaduc...

 

Cette oeuvre a deux facettes : d'un côté, la technologie semble s'intégrer parfaitement avec la nature.

La puissance humaine semble être harmonie avec elle ; le monde de l'industrie, la machine s'intègre à une très belle vision du paysage, comme dans un rêve.
La lumière transparaît à travers lui, elle le fait "vibrer". On a l'impression de voir un instant fugace, le train passera comme un éclair, en quelques secondes. Cette impression de vitesse est encore accentuée par l'aspect impreécis des wagons.

 

D'un autre côté, Turner dénonce les dangers de l'industrie :

Les progrès techniques de l'homme peuvent être passionnants mais ils peuvent également représenter un danger. La locomotive arrivant à toute vitesse semble un peu effrayante, incontrôlable, impossible à stopper comme la course de l'industrie dans sa quête de performances.

Et dernier détail, mais pas des moindres : devant la locomotive, sur la voie, on peut remarquer en faisant très attention qu'il y a un lapin, ou un lièvre qui court éperdument, à toute vitesse.

La question que William Turner cherche à nous poser est : et si la machine dépassait la nature ?

Ce n'est sans doute pas dans l'ordre des choses...

 


Les 5 thèmes principaux de William Turner

 

 

La nature, les paysages                                                                                                                      


 

http://www.cineclubdecaen.com/peinture/peintres/turner/paysageavecuneriviere.jpg

 

Nom : Paysage avec une rivière

Huile sur toile peinte en 1845

Dimensions : 93,4 cm  x 123,5 cm

Emplacement actuel : Le Louvre, Paris

 

 

Les progrès des hommes, la technologie, l'industrie


 

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/94/Turner%2C_J._M._W._-_The_Fighting_T%C3%A9m%C3%A9raire_tugged_to_her_last_Berth_to_be_broken.jpg/800px-Turner%2C_J._M._W._-_The_Fighting_T%C3%A9m%C3%A9raire_tugged_to_her_last_Berth_to_be_broken.jpg

 

Nom : Le dernier voyage du Téméraire, ou Le téméraire remorqué à son dernier mouilage pour y être détruit

Huile sur toile peinte en 1839

Dimensions : 91 cm × 122 cm

Emplacement actuel : National Gallery (galerie nationale), Londres

Rapport avec le thème : fin d'une ère pour ce navire, vétéran de la bataille de Trafalgar. Il est remorqué pour être détruit, trop vieux aux yeux des hommes, trop loin des performances désormais exigées.

 

 

La lumière, les jeux de couleurs


 

http://www.repro-tableaux.com/kunst/joseph_mallord_william_turner/3968.jpg

 

Nom : Lumière et couleur

Huile sur toile peinte en

Dimensions : 78 cm x 78 cm

Emplacement actuel : Tate Gallery, Londres

Ici, on voit l'importance que Turner accorde à la lumière dans ses oeuvres.

Ici, Il représente Dieu en temps que lumière des hommes ; William Turner a une façon très personnelle de la peindre et de la faire vivre, d'où son surnom : le peintre de la lumière.

 

 

Les éléments, la fragilité des hommes face à eux, la mer

 

 

http://www.eternels-eclairs.fr/images/peinture/tableaux/william-turner/william-turner-tempete-en-mer.jpg

 

Nom : Tempête en mer

Huile sur toile peinte en 1842

Dimensions : 91 cm x 122 cm

Emplacement actuel : Tate Gallery, Londres

 

 

La mythologie, la religion


 

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f4/Turner_Dido_Building_Carthage.jpg/800px-Turner_Dido_Building_Carthage.jpg

 

Nom : Didon construisant Carthage ou L'ascension de l'Empire carthaginois

Huile sur toile peinte en 1815

Dimensions : 26 cm x 36,2 cm

Emplacement actuel : National Gallery (galerie nationale), Londres

Ici, on asiste à une scène de l'Eneide de Virgile, qui est une épopée ; on est donc dans le domaine de la mythologie.

 

 

Quelques citations de William Turner


"Mon affaire est dessiner ce que je vois, non ce que je sais."

 

"La peur est une corde qui retient l'esprit faible."

 

"Le manque d'appréciation est une trahison à l'âme de l'artiste."

 

"C'est seulement quand nous n'avons plus peur que nous commençons à créer."

 

 

Citations parlants de William Turner

 

"Pour lui, le plus important n'était pas de reproduire, mais de rendre sensible, de visualiser une sensation, un sentiment."

A.C. Krausse, tiré de l'Histoire de la peinture de la Renaissance à nos jours, Gründ, 1995

 

"Ses tableaux paraissent peints, non avec de vulgaires pâtes, mais avec des couleurs immatérielles."

Paul Signac, tiré D’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme, la revue blanche, 1899.
 

Autre chose également, ce n'est pas une citation mais j'ai trouvé ça très beau :

On dit de William Turner qu'il était le peintre de la lumière...

 

 

Les livres les plus intéressants parlants de William Turner


Turner, Michael Bockemühl, Taschen

Venice, Turner's watercolours (Venise, les auqarelles de Turner), introduction d'Andrew Wilton, Bibliothèque de l'image 

Turner, Damien Sausset et Térésa Faucon, Flammarion

Turner, l'incendie de la peinture, Olivier Meslay, Gallimard

Turner, John Gage, citadelles et mazenod

 

Sites (les 6 ou 5 premiers sont les plus intéressants et les plus complets à mon goût)

 

http://www.tate.org.uk/visit/tate-modern

http://fr.wikipedia.org/wiki/Joseph_Mallord_William_Turner

http://www.picturalissime.com/turner_william.htm

http://www.grandspeintres.com/turner/biographie.php

http://www.impressionniste.net/turner.htm

http://www.eternels-eclairs.fr/tableaux-turner.php

http://www.evene.fr/celebre/biographie/joseph-mallord-william-turner-17038.php

http://universdesarts.fr/biographie/73/turner-william.html

http://www.dicocitations.com/auteur/4425/Joseph_Mallord_William_Turner.php

http://www.premiere.fr/Star/William-TURNER-71162/%28view%29/citations

 

 

 

 


 

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15 novembre 2012 4 15 /11 /novembre /2012 18:42

 

                       Frédéric Bazille

 

 

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Frédéric Bazille est né dans une famille de la bourgeoisie protestante de Montpellier, en 1841. Il suit des études de médecine de 1859 à 1864, mais sa vraie passion est la peinture. Après avoir suivi des cours de dessin et de peinture à l'atelier de Baussan, il s'inscrit en 1862 avec l'accord paternel à l'atelier de Charles Gleyre. C’est un peintre académique suisse installé à Paris. Il y rencontre alors Renoir, Sisley ou encore Monet avec lesquels il partage la passion du réalisme. Après quelques visites à ces derniers, que ce soit à Chailly ou à Honfleur. Bazille qui est loin d'être un peintre dans le besoin, il partage alors quelques ateliers parisiens avec ses amis. Il y a celui du quartier des Batignolles en 1968, celui de la rue Furstenberg qu'il partage avec Monet, et celui de la rue Visconti avec Renoir. C'est d'ailleurs certainement grâce à toutes ces rencontres amicales et artistiques que Bazille s'essaye à différents genres : portraits, portraits de groupe, paysage, fleurs ou encore, natures mortes avec animaux. Certaines de ses œuvres sont acceptées par les salons officiels, d'autres sont refusées pour des raisons morales. Bazille travaille beaucoup chacun de ses tableaux. Il prépare ses toiles par de nombreux croquis, passe des jours ou des semaines sur une même toile et la termine souvent en atelier. Malheureusement, lui qui a vu se créer le mouvement des impressionnistes ne profite pas de la gloire que connaîtront ses amis. Engagé à la guerre de 1870, il meurt au front à l’âge de  29 ans, laissant derrière lui une soixantaine d'œuvres, sensibles et créatives, qui suggèrent que, s'il avait eu le temps, il serait devenu un grand maître.

 

 

 

Oeuvres principales :

 


 

bazille_robe_rose.jpg

bazille_scene_ete.jpg

 

 

 

 

 

        La robe rose

             1864

   Musée d'Orsay, Paris

 

 

 

 

 

 

                                                                                                                                                                         Scène d'été

                                                                                                                                                                               1869

 

 

                                                                                                                                                            

 

 

                                                                                         

 

 Lieux:

 

 

Il a passé toute son enfance à Montepllier. Plus tard, il se rendit à Paris pour ses études. Il revenait l'été à Montpellier.

Dans la capitale, il circulait dans différents ateliers de peinture. Il a fait différente rencontre.

 

 

Thèmes:

 

 

Les sujets qui l'inspirent dans ses oeuvres sont:

 

- La peinture en plein air

- Les paysages languedociens

- Les études de corps 

 

 

Oeuvres:

 

Frederic_Bazille_002.jpg

 

 

 

 

 

 

 

 

                Vue de village

                      1868

                Huile sur toile

               130 cm x 89 cm

          Musée Fabre, Montpellier

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

800px-Frederic_Bazille_Paysage_au_bord_du_Lez.jpg

 

 

 

 

 

 

                  Paysage au bord du Lez

                                  1870

                          Huile sur toile

                     137.8 cm x 202.5 cm

               The Minneapolis Institue of Art

 

 

 

 

 

 

 

Bazille_La_Toilette.jpg

 

 

 

 

 

 

 

 

                             La toilette

                                1870

                          Huile sur toile

                        132 cm x 127 cm

                  Musée Fabre, Montpellier

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

0195-0078 paysage a chailly

 

 

 

 

 

 

               Paysage à Chailly

                         1865

                  Huile sur toile

                82 cm x 102 cm

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Analyse d'une oeuvre :

 

 


 

800px-Frederic_Bazille_001.jpg

 

 

C'est les portraits de famille qui témoigne d'un amour vif et de la vérité. Les personnages sont groupés sur une terrasse, dans l'ombre d'un arbre.

Ce tableau est composé de trois triangles rectangles formés par les trois groupes de personnages.

 

La réunion de famille à lieu suur la terrasse de la propriété de la famille Bazille, un châtaignier la couvre de son feuilletage. L'arbre étale son feuillage très largement et toute la scène est dans son ombre, ne laissant passer aucune tache de soleil sur els personnages.

La couleur dominante s'accompagne des noirs des vêtements des hommes qu'approfondit la lueur verte que fait le feuillage très sombre du châtaignier. La lumière si spécifique de cette région que Bazille connaît bein pour y être né, lui importe beaucoup et son double aspect dans ce tableau est bien fait pour passionner un peintre. Cette scène lui donne en effet l'occasion de mélanger deux choses comme cela se faisait dans les scènes mythologiques de la peinture des siècles précédents: un paysage très travaillé, au delà d'un groupe de personnages important ici, puisqu'il comporte onze personnes.

 

 

Citations :

 

Malgré de nombreuses recherches, à propos des citations sur Bazille, je n'ai rien plus trouvé.

 

 

 

 

                                                                Courte Biographie

 

 

Les livres les plus intéressants qui parle de Frédéric Bazille sont :

 

- Catalogue raisonné

- La bibliothèque des arts

 

 

Sites utilisés:

 

 

http://fr.wikipedia.org/wiki/Fr%C3%A9%C3A9ric Bazille 

 

http://www.impressionniste.net/bazille.htm

 

http://www.musee-orsay.fr/

 

http://www.evene.fr/celebre/biographie/frederic-bazille-41918.php

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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14 novembre 2012 3 14 /11 /novembre /2012 17:16

 http://www.devoir-de-philosophie.com/images_dissertations/148526.jpg

 

Biographie


Jean-François Millet est né le 14 octobre 1814 à Greville, dans la manche. C’est un peintre réaliste, pastelliste, graveur et dessinateur français du XIXème siècle. Jusqu'à ses 20 ans il travaille dans la ferme familiale mais en 1833 il est envoyé à Cherbourg par son père. Il y apprend le métier de auprès peintre Paul Dumouchel et de Langlois Chèvreville. Grâce à une bourse octroyée par la mairie de Cherbourg et le conseil général de la Manche, il part à Paris pour continuer son apprentissage dans l’art. Il s’y installe en 1837 et étudie à l’école des Beaux-Arts dans l’atelier du peintre Paul Delaroche. Après il revient à Cherbourg où il réalisera la vente de ses tableaux majoritairement des portraits. En 1840 lorsqu’il revient à Paris, il se détourne du model officiel moderne, il suit l’influence d’Honoré Daumier. A partir de 1842 il expose au salon. En 1848 il expose Le Vanneur qui sera acheté pour cinq-cents francs. De 1849 à 1854 il s'installe à Barbizon. Il y a peint beaucoup de seine rurale (L'Angelus). Il est également l'un des fonsateurs de l'école de Barbizon. En 1853 il se mari avec Catherine Lemaire qu’il a rencontré à Cherbourg. En 1870 il rentre à Cherbourg pour rejoindre sa famille et ses amis. Il meurt le 20 janvier 1875 à Barbizon, en Seine-et-Marne.

 

Et voici une de ses oeuvres très célèbre

 

"L'Angélus", 1858, Musée d'Orsay à Paris 

Huile sur toile

 

http://www.repro-tableaux.com/kunst/jean_francois_millet_205/4274.jpg

 

Deux ouvriers, en plein travail au champs ont posés leurs outils pour se mettre a prier. On devine, à l'arrière plan L'Angélus sonner au clocher lointain.

 

Ses citations

 

Comme beaucoup de peintres, Millet avait des citations. 

Il a dit :

- " C'est le coté humain franchement humain, qui me touche." 

- " Il faut servir le vulgaire à l'expression du sublime."

- " Ce n'est pas tant les choses representées qui font que le besoin qu'on a eu de les représenter, et ce besoin lui même a créé le degré de puissance avec lequel on s'en est acquitté." 

 

Il était surnommé le peintre des paysans. Cela se remarque rapidement, Millet a peint beaucoup de paysans au cours de sa carrière.

 

Par exemple : 

 

" Le semeur", 1850, Musée des Beaux Arts de Boston

 Huile sur toile

 

http://erf-dreux.net/articles/2009_09_20_MilletLeSemeur_w450.jpg

 

Millet a peint un paysans en plein geste pour semer des grains. Le tableau "Les Moissoneurs", est la suite de ce tableau. 

 

Les thèmes principaux de Millet :

 

Les thèmes de Millet sont tous très proche. 

 

Il aimait peindre des portraits et des autoportraits. Comme par exemple son autoportrait, que j'ai affiché avec sa biographie. 

 

 

La réalité a beaucoup inspiré Millet. 

 

" Le Vanneur", 1848, Musée d'Orsay à Paris

Huile sur toile


http://www.artliste.com/vanneur-jean-francois-millet-19-1147-iphone.jpg

 

Millet a peint ce tableau après les récolte desatreuses de 1846. Il à voulu représenter la réalité de la vie paysanne.

La plupart de ces tableaux sur la vie paysanne s'inscrivent dans ce thème. 

 

 

La vie paysanne et les milieux ruraux l'ont également inspirés. 

 

" Les Glaneuses", 1857, Musée d'Orsay à Paris

Huile sur toile

 

http://imagesetlangages.fr/preps/hist_quatre_voix/detournement/detournement_parAB/millet_glaneuses.jpg

 

Ce tableau se refère a la vie paysanne, mais également à la réalité.

 

Analyse : Sur ce tableau figurent deux vieilles femmes et une jeune, elles sont parmi les plus pauvres car elles sont contraintes de glaner des épis de blé afin de se nourrir. Ce tableau illustre ainsi la misère de la population rurale. On peut observer les geste du métier de glanage qui sont se baisser, ramasser et ensuite se relever. La pauvreté est renforcée par l'apparente richesse de la récolte de blé chargée sur les charrettes en arrière plan. Dans le ciel, Millet a représenté des oiseaux, qui eux aussi sont prêts a picoré les grains encore présents. A l'époque, le sujet du glanage était très illustré. Dans son tableau " Les Paysans" Balzac met en évidence le fait que le comte de Montcornet s'oppose au glanage. Quelques années plus tard, Jules Breton a peint des glaneuses qui étaient heureuse d'effectuer cette tâche.

 

" Bergère avec son troupeau", 1863, Musée d'Orsay à Paris

Huile sur toile

 

http://www.cineclubdecaen.com/peinture/peintres/millet/bergere.jpg

 

Pour cette oeuvres Millet a dit : 

 

" Le côté gai de la vie ne se montre jamais à moi... La plus gai chose que je sais, c'est le calme, le silence, qui est si doux, que ce soit dans la forêts ou dans les terres cultivées." 

 

Les glaneuses, L'Angélus, Le Vanneur et Le Semeur font également partis de ces deux thèmes. 

 

Bibliographie : 

 

Les livres 

- Abécédaire de Millet, 1998

- Robert L. Herbert, Jean-François Millet, Edition des musées nationaux, 1975

- André Fermigier, Jean-François Millet, découverte du XIXe siècle, 1997

- Théophile Sylvestre, Ecrits choisis, L'Echoppe, 1990 --> Biographie

- André Girodie, Jean-François Millet, peintre 1814-1875, 1901


Les sites 

 

- www.wikimanche.fr

- www.wikipedia.fr 

- www.universalis.fr

- www.larousse.fr/encyclopédie

- www.musee-orsay.fr

 

 


 

 

 


 

 

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13 novembre 2012 2 13 /11 /novembre /2012 20:20

 

autoportrait au chapeau mou (1857-1858)

Sterling and Francine Clark
Art Institute
Williamstown, Massachusetts

 

 

Edgar Degas

 

BIOGRAPHIE

Edgar Degas est né le 19 juillet 1834 à Paris. Il y passe d'ailleurs son enfance, rue St georges. Fichier:Edgar Germain Hilaire Degas 018.jpgAprès de courtes études de droit, il obtient son diplôme universitaire le 27 mars 1853. Peu de temps plus   tard le 7 avril 1853, il est admis comme copiste au Louvre. Puis, deux ans plus tard, en     1855, il entre a l'école des beaux arts ou il effectue ses études et y acquiert une maîtrise   du dessin, caractéristique majeure de son art. De 1874 à 1886, il confie ses oeuvres à      des expositions impressionnistes, grâce à cela, la peinture devient sa source de revenu   à partir de 1875. Il accomplira enfin sa première (et dernière) exposition personnelle en    octobre 1892. Il meurt le 27 septembre 1917 à Paris.

 

 

 

 

Ballet - L’étoile (1876),

pastel sur papier.

Musée d'Orsay, Paris

 

 

THEMES

Les thèmes qu'il aborde le plus souvent sont les danseuses comme sur le tableau ci-dessus,

la vie quotidienne (comme dans "la famille Bellelli"),

 

 

 

 

 

  La famille Bellelli (1858-1860)

  Huile sur toile

  Musée d'Orsay, Paris

 

 

 

 

 

 

 

 

 

les lieux clos de spectacle ("l'orchestre de l'opéra" par exemple)

 

 

 

l'orchestre de l'opéra (1868-1869) 

Musée d'Orsay, Paris 

 

 

 

 

et les loisirs ("les cavaliers sous la pluie" en est un)

 

 

 

 

 

 

  Cavaliers sous la pluie (1886)

  Glasgow Museums and
  Art Gallery , Ecosse


 

 

 

 

 

 

ANALYSE: LA FAMILLE BELLELLI

 

La famille Bellelli d' Edgar Degas (1858-1860) est un tableau personnel, car il représente Laure, tante du peintre, son mari le baron Bellelli et leurs filles: Giovanna (a gauche) et Giulia (au centre), en habits de deuil car le père de Laure, Hilaire de Gas, est décédé, son portrait est d'ailleurs encadré a coté de Laure. Celle-ci est imposante, l'air sévère, beaucoup plus visible que son mari que l'on ne voit presque pas, relégué dans un coin du tableau.

Ce tableau retranscrit efficacement les tensions familiale qu'il sévissaient alors dans la famille: le père et la mère sont ici très distinctement séparés, inscrits dans deux compositions triangulaires, leur fille Giulia faisant le lien entre les deux triangles. 

Giulia semble vouloir s'en aller, prête à suivre le chien que l'on voit dans le coin inférieur droit du tableau et qu'elle suis du regard elle est en position de départ de danse, ce qui accentue cette impression de désir de partir et rappelle un des sujets préféré de Degas, les danseuses. Elle est rattachée à son  père par ce regard qu'il semble lui porter, voulant peut être lui aussi fuir cette tension dont est imprégnée le tableau.

Quand à Giovanna, elle est inscrite dans le triangle de la mère, sous sa protection et regarde droit devant elle, vers le peintre, sa joie contrastant avec la morosité de sa mère, en deuil.

 

CITATIONS DE DEGAS

-"La peinture c'est très facile quand vous ne savez pas comment faire. Quand vous le savez c'est très difficile"

-"Quand quelqu'un paye un tableau 3 000 francs c'est qu'il lui plaît. Quand il le paye 300 000 francs c'est qu'il plaît aux autres"

-"On met des fils de fer autour des pelouses pour empêcher les gens qui vont y déposer des statues"

-"Le dessin n'est pas la forme, c'est la façon de voir la forme"

 

BIBLIOGRAPHIE

LIVRES

-"le musée du Monde, Série 3: Degas" (source)

-"Degas " par Edouard Hüttinger

-"Degas" la bibliothèque des expositions (source)

 

SITES

-http://www.impressionniste.net/degas.htm (source)

-http://fr.wikipedia.org/wiki/Edgar_Degas (source)

-www.evene.fr/celebre/biographie/edgar-degas-2467.php (source)

-http://www.musee-orsay.fr/fr/collections/oeuvres-commentees/recherche/commentaire/commentaire_id/la-famille-bellelli-7077.html?no_cache=1 (source)

-http://www.grandspeintres.com/degas/index.php

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12 novembre 2012 1 12 /11 /novembre /2012 15:37



I)les dates qui ont marqué sa vie:

-Il est née le 28 septembre 1823 à Montpellier;
-en 1840 il rentre aux beaux-arts de paris;
-il devient célèbre avec son tableau «La Naissance de Venus» en 1863;
-lors de l'Exposition Universelle de 1867 il reçoit la croix de chevalier de première classe de l'ordre du mérite de Saint Michel  et reçoit également pour la deuxième fois la médaille d'honneur du salon;
-membre du jury en 1876 il refuse deux œuvres de Manet, il est de plus en plus mis en opposition avec les impressionnistes et les naturalistes, surtout avec Manet, et Cabanel est souvent critiqué par Zola;
-il décède le 28 janvier 1889 à Paris, puis en 1892 un monument est construit en son honneur par Jean Camille Formigé, avec un buste en marbre et sculpture;
-pendant l'été 2010 au musée Fabre a lieu la première rétrospective sur Alexandre Cabanel: la tradition du Beau, cette rétrospective regroupe beaucoup de tableaux et dessins de lui qui viennent de chaque coin du monde, par exemple du Dahesh Muséum of Art à New-York, du Musée de l’ermitage à Saint-Pétersbourg.

II)les lieux qui ont marqué sa vie

-Montpellier: c'est son lieu de naissance, il y commence son apprentissage à l'école des Beaux-arts;
-Paris: il y va en 1839 grâce à une bourse, y passera la majeur partie de sa vie et y meurt en 1889;
-le «Salon» lieu d'exposition où il a connu son heure de gloire grâce a la «Naissance de Venus»
-l’École des Beaux-arts de Paris: il y a reçut tous les honneurs, y a formé plus de 100 élèves. Il était lui même élève de François-Edouard Picot.

III) Phrases prononcé par lui:

-Il a affirmé se consacrer: «à la peinture, [sa] seule maîtresse»
-Il défend Manet et son portrait pertuiset, le chasseur de lion  en s'écriant: «Messieurs, il n'y en a pas un qui soit fichu de faire une tête comme ça en pleine air!», ce qui prouve que Zola exagère  en opposant catégoriquement Cabanel à Manet, Cabanel est capable de reconnaître un beau tableau et reste malgré tout ouvert contrairement a ce que veut faire croire Zola (même si Cabanel reste un peintre académiste).

IV) Phrases dites sur lui: 
 
-De tous les peintres académiste, Cabanel fût à la fois le plus adulé et le plus critiqué» Jean Nougaret, académie des sciences et Lettres de Montpellier,
-M. Cabanel […] à montré beaucoup de douceur et d'indulgence» Zola dit cette phrase ironiquement car selon lui Cabanel est farouchement opposé aux Impressionnistes alors que Cabanel est plus ouvert que ça.

V) les sites les plus intéressants parlant de lui:

-http://www.larousse.fr/encyclopedie/peinture/Cabanel/15137
c'est le site du Larousse
-http://fr.wikipedia.org/wiki/Alexandre_Cabanel
c'est le site de wikipédia
-le site du musé Fabre à Montpellier
-http://www.insecula.com/contact/A005672.html
c'est le site d'Insecula
-http://www.latribunedelart.com/alexandre-cabanel-1823-1889-la-tradition-du-beau-article002763.html
c'est le site de la tribune de l'art
 

 

VI) les livres  parlant de lui:

 -Alexandre Cabanel, 1823-1889 : la tradition du beau , paru en 2010
-La gloire de Victor Hugo : Catalogue exposition, Paris, Grand Palais, 1985-1986
-Chef d'oeuvre de la peinture : Musée Fabre, Montpellier
-Maestà di Roma,Da Napoleone all'Unita d'Italia : Catalogue des dessins, Académie de France à Rome, Villa Médicis, 2003


Ses œuvres:


la naissance de Venus

naissance-de-venus.jpg

 il à réalisé ce tableau en 1863 qui est exposé Musée d'Orsay à Paris, qui connût le succès quand il fut exposé au Salon  où elle fût acquise par Napoléon III. C'est un parfait exemple de l'art conventionnelle qui emporte l'adhésion du public qui ne choque personne. Le thème mythologique n'est ici, qu'un prétexte pour aborder le nu idéal, mais lascif. Cabanel représente le nu académique, on voit la déesse Vénus sur l'océan étendue lascivement avec des anges voletant au dessus d'elle; elle est entièrement nue avec la peau parfaite et pâle, les formes idéales; elle représente bien l'idéalisation du nu du 19ème siècles
Il y a deux partie qui s'affronte autours de cette œuvre:
-ceux qui, comme Théophile Gautier, estiment que cette déesse représente la femme parfaite, qui charme et séduit sans procurer du désir, qu'elle est élégante, toute en finesse, moins nature mais plus belle poétiquement parlant et plus pure. C'est une œuvre fascinante
faites de coloris «frais» et du coup dégage de la fraîcheur, dans le bon sens du terme ( toujours d'après ceux qui défende cette œuvre).
-en opposition, il y a ceux qui, comme Émile Zola, critique vivement cette œuvre l'accusant de n'être absolument pas réaliste, d'ailleurs Zola lui reproche que la déesse a l'air d'être en «sorte de pâtes d'amande blanches et rose». Zola dit «faire peu de cas de toute la poudre de riz de M. Cabanel» ce qui signifie qu'il trouve que Cabanel embellie trop la réalité et fait un nu qui n'a pas d’intérêt puisque pas réaliste. Zola dit également préférer  les œuvre de Manet aux œuvres sans vie de Cabanel , se soucier très peu de ces images coloriées et de ces toiles où il ne trouve rien de vivant et déclarer que seul le tempérament l'intéressait (ceux qui sont des mots très dure! ).
 

 

Écho


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Cette toile à été réalisé en 1874 et est actuellement au Metropolitan Museum of Art à New York, on peut dire aussi la nymphe écho, elle représente encore une femme nue même si elle est à demi couverte cette fois ci.  Dans la mythologie grecque , Zeus trompa Héra avec cette nymphe, qui avait une superbe voix, et Héra pour punir Écho d'avoir séduit Zeus et sûrement un peu par jalousie lui retira sa voix et la condamna a répéter la fin des phrases dites par les gens. C'est l'explication que donnais les grecs pour expliquer le phénomène de l'écho. Sur le tableau on la vois l'air horrifier certainement après avoir été punit par Héra. On voit toujours la peau parfaite comme les seins, mais le décor sur le quelle elle est assis est moins beau plus sombre, et moins tout lisse, uniforme, il exprime plus le cri (Édouard Munch le cri), comme la tête de la nymphe.


L'ange déchu

 

l-ange-dechu.jpg


Il a peint cette œuvre en 1848 et elle est conservé au Musée Fabre a Montpellier. Elle est, selon les so

urces un authentique chef d’œuvre du romantisme tardif. Dans la religion chrétienne l'ange déchu c'est le diable, or là, si on zoome sur la tête de l'ange on le voit en train de pleurer, comme si il regretter ses erreurs, qu'il se repentait. Cabanel pose donc la question: que ce serait-il réellement passé si le diable avait regretter et quelle conséque

nce cela aurait eu sur l'humanité? Ce n'est plus une scène de la mythologie grecque mais une scène de la religion chrétienne, on est donc bien dans de l’académisme.



Phèdre

phedre.jpg

Cette toile a été peinte en 1880 et est conservé au musée Fabre a Montpellier. Les contrastes de lumière mettent en valeur la dimension tragique de cette scène de désespoir qui représente le sublime, qui est un idéal de la peinture
académique . On dirai que Cabanel a représenté l’ensemble des tourments de l’héroïne de Racine, qui est une pièce de théâtre, on voit le corps de l’héroïne quasiment livide et les membres alanguis de sa servante.


Ophélia

ophelia.JPG
Cabanel la peinte en 1883. Ophelia est un personnage dans Hamlet qui devient folle après la mort de son père. Elle est retrouvé noyé dans un ruisseau, on ne si pas si elle c'est suicidé ou pas. On retrouve les
caractéristiques de Cabanel: peau lisse et claire, arrière-plan uniforme, couleur rose, blanc, brun. La lumière éclaire Ophélia, on la voit en train de chuter accidentellement ou pas?

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 21:08

Claude Monet

Biographie:

 

C’est le 14 Novembre  1840 que Claude Oscar Monet Naît à Paris .En 1857 alors que sa mère décède Claude décide d’abandonné ses études. Mais c’est sa tante qui l’encourage pour qu’il continue le dessin. Il vend alors ses caricatures signé O. Monet chez un commerçant spécialiser ou expose également Eugène Boudin un grand peintre impressionniste. En 1861 et 1862, Monet sert dans l'armée en Algérie.  Il quitte donc l'armée grâce a sa tante, mais n'aime pas les styles traditionnels de peinture enseignés à l'académie. En 1862, il retrouve Eugène Boudin, lors de son séjour à Sainte-Adresse et à la ferme Saint-Siméon à Honfleur. De sa période honfleuraise, Monet conservera un attachement et ils auront une influence essentielle dans la genèse de son art. La mêmeannée, il commence à étudier l'art dans l'atelier de l'École impériale des Beaux-Arts dirigé par Charles Gleyre à Paris, où il rencontre Pierre Auguste Renoir avec qui il fonde un mouvement artistique qui s'appellera plus tard impressioniste.

5 Thème:

          -La nature

         -La vie quotidienne

        -paysage intemporels

        -La Seine

        -Les voilliers

Citation de Monet:

 

« Ce que je ferais ici aura au moins le mérite de ne ressembler à personne, parce que ce sera l’impression de ce que j’aurais ressenti, moi tout seul »

« La couleur est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment. »

« Chaque jour je vous espère. »

« Si je suis devenu un peintre, c'est à Eugène Boudin que je le dois ».

Ses 5 oeuvres:

Essai de figure en plein air(vers la gauche) (1886)

       Huile sur toile

       130.5cmX89.3cm

 

 

Nymphéas Bleus(1916-1919

Huile sur toile

204cmX200cm

Portrait de madame Gaudibert(1868)

Huile sur toile

216.5cmX13805cm

Femmes au jardin(1866)

Huile sur toile

255cmX205cm

La capeline rouge ,portrait de madame Monet

Huile sur toile

99cmX79.8cm

L'analyse de l'oeuvre principale:

Le Bassin aux Nymphéas,harmonie verte:

En 1893, Monet entre en possession d’une parcelle de terrain au sud de sa maison en Giverny. Il souhaite y crée un second jardin, « un jardin d’eau ».Malgré l’opposition d’une partie des habitants du village, le peintre obtient l’autorisation  de réaliser son projet. Les travaux auront duré les 6 derniers mois de l’année. C’est ainsi qu’il fait de se lieux un endroit de culture, de plantes aquatiques. C’est à partir de 1898 que Monet commence à s’inspiré de son jardin et peindre beaucoup de c’est tableaux contenant le  « pont Japonais ».

Livres:

-Claude Monet (1840-1926)

-Claude Monet Une Vie

-Nymphéas

-Monet et son temps

Sites:

http://www.monet2010.com/fr#/galerie/102/

http://fr.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 21:07

 Honoré Daumier (1808 - 1879)

 

honore-daumier.jpg

Honoré Daumier est né à Marseille le 26 février 1808.

C'est un peintre caricaturiste et sculpteur français. Il a débuté en tant que commis libraire, il fait son apprentissage chez un imprimeur lithographe, et étudie les maîtres dont Rubens et Goya en particulier, au Louvre.

Il a fait ses premiers dessins en 1829 pour la revue "La Silhouette" après avoir rencontré Charles Philipon. 

Il a été condamné en 1832 à six mois de prison qu'il a purgé à Sainte-Pélagie à cause de sa caricature de Louis-Philippe en Gargantua dans la revue "La Caricature". 

Il arrête son activité de caricaturiste politique en 1835 à cause de la mise en place d'une loi qui instaurait la censure de la presse et donc la cessation de la parution de la revue "La Caricature".

Il commence à se consacrer à la satire des moeurs bourgeoises qu'il poursuivra jusqu'en 1848

En 1849, il expose son premier tableau "Le Meunier, son fils et l'âne" au Salon. 

La première exposition rétrospective de ses oeuvres dans la galerie Durand-Ruel date de 1878.

Il meurt à Valmondois le 10 février 1879.

 

Il est originaire de France, plus précisément de Marseille. Il part vivre à Paris à l'âge de 8 ans. 

En 1865, il part à Valmondois dans une maison située au centre du village. C'est d'ailleurs là qu'il décèdera en 1879.

 

5 oeuvres principales :

 

 

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"Gargantua" 

Caricature lithographie d'Honoré Daumier qui date de 1831, qui représente Louis-Philippe 1er, cette oeuvre lui a également valut six mois de prison.

 

 

Les 5 thèmes qui inspirent Honoré Daumier et qui ressortent le plus souvent dans ses oeuvres sont : la pauvreté, le théâtre, la vie sociale et politique, les mouvements scientifiques de son époque mais aussi l'Antiquité lorsqu'il publie dans "Le Charivari" 50 planches aux thèmes antiques, dont 17 illustrant l'Odyssée, l'Illiade et le Télémarque de Fénelon.

Il n'y a qu'une seule citation d'Honoré Daumier, c'est la suivante : "Les femme supportent des fardeaux qu'aucun homme ne pourrait supporter".

Citation citant Honoré Daumier : "Ce gaillard là à du Michel-Ange sous la peau !" de Honoré de Balzac.

 

 

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"Victor Hugo" d'Honoré Daumier

Publiée le 20 Juillet 1849 dans "Le Charivari". C'est une caricature de Victor Hugo qui a été publiée après les élections législatives de 1849. Elu 10e à Paris, ses publications font office de piédestal.

 

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"Capitulation de Sedan" d'Honoré Daumier

Lithographie publiée dans "Le Charivari" en 1870, le 22 septembre. Cette caricature fait référence à la défaite des français lors de la bataille Franco-Prussienne.

 

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"Une discussion littéraire" d'Honoré Daumier

Publiée dans "Le Charivari" le 27 février 1864, il s'inspire du théâtre et de l'attitude des acteurs ainsi que de celle des spectateurs.

 

ecce homo d'honoré daumier

"Ecce homo" d'Honoré Daumier 

Expression latine qui veut dire "Voici l'homme", cette oeuvre représente Jésus couronné d'épines. Elle est conservée au musée Folkwang d'Essen.

Analyse :

 

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"Les Poires" d'Honoré Daumier, est une oeuvre qui réflète la détérioration de la popularité de Louis-Philippe 1er, en 1831. 

C'est sous la direction de Philipon que Daumier transforme la figure du roi en poire. Ce fruit représente la bétise et la complaisance. L'altération insensible des traits du visage, produit au final un effet grotesque. 

Parue dans le journal "La Caricature".

 

Les 5 livres qui parlent le plus d'Honoré Daumier sont : Honoré Daumier - Roi de la caricature Peintre et Sculpteur de Charles Armand Klein ; Honoré Daumier : du rire aux armes de Laurence Goux, Sylvie Gonzalez et Dominique Lobstein ; Honoré Daumier de Pierre Cabanne ; Daumier, sculpteur, les bustes des parlementaires, 1979 de Jean-Claude Romand ; Daumier et la caricature, 2008 de Ségolène Le Men.

 

Les 5 sites qui parlent le plus de lui sont : wikipédia ; www.honoré-daumier.com ; bnF.fr et arts.forumculture.net.

 


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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 20:48

 

Pablo Picasso

Biographie

 

 

Pablo picasso 1

 Pablo Picasso est un peintre, sculpteur et dessinateur, il est né le 25 octobre 1881 à malaga en (Espagne)
Son père est professeur de dessin, très jeune Picasso commença à l’imiter.

En 1892, son père l’oblige à suivre des études artistiques, il entre à 11 ans à l’école d’art de la Corogne ou son père est professeur.
En 1895, il entre à l’école des beaux arts de Barcelone avant de poursuivre à l’académie royale de San Fernando à Madrid.

En 1900, Picasso se rend pour la première fois à Paris avec son ami Casagemas.
En 1901 Casagemas se suicide. Très touché par cet événement, Picasso réalise plusieurs portraits de son ancien ami qui inaugure la période Bleue. Picasso s’installe dans l’atelier de Casagemas à Paris.
En 1904 Picasso s’installe définitivement à Paris au Bateaux-Lavoir. Il tombe amoureux de Fernande Olivier, ce qui égaiera quelque peu ses toiles.
En 1907, Picasso commence à créer des peintures beaucoup plus géométriques.
En 1937, alors qu’une guerre civile déchire l’Espagne, Picasso est très touché par le bombardement de la ville de Guernica.
Le 8 avril 1973 à Mougins, Picasso décède à l’âge de 92 ans.

 

 

Œuvres les plus célèbres :

 

les-demoiselles-d_avignon_picasso.jpgguernica_pablo_picasso-2.jpg

 

Les demoiselles d'Avignon                           Guernica, 1937, huile sur toile 349,3x776,6cm
1907, huile sur toile                                     Musée de la reine Sofia à Mardid
244x234cm
Musée d'art

moderne, New York

 

Paul_en_Arlequin.jpg

 

Paul en Arlequin, 1924
Huile sur toile
130x197cm
Musée National Picasso
Paris

picassocolombe

 

 

 

 

Colombe de la paix
Dessin sur affiche 1949

 

 

 

 

chevre

 

 

La chevre, 1950
Sculpture en platre
Musée Picasso

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Thèmes Principaux:

 

Période Bleu 1901/1904

 

Celle-ci est arrivée suite a la mort de son meilleur ami Carlos Casagemas. Picasso est boulverssé, il peint des gens misérables, seuls et tristes, toutes ses toiles sont bleues, de la couleur de la nuit, du froid et de la mort.

 

 

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picasso-autoportrait

 

 

La femme en bleu au béret, 1903
Huile sur carton
45x37cm

 

 

 

 

Autoportrait, 1901
Huile sur toile
81x60cm
Musée Picasso

 

 

 

Période rose 1904/1906

 

Celle-ci est arrivée à la suite de la rencontre de Fernande. Picasso tombe amoureux de celle-ci, sa peinture devient plus gaie, il "voit la vie en rose". Picasso passe ses soirées au cirque Médrano, il aime le monde joyeux des saltimbanques, il peint les acrobates, les jongleurs et surtout les arlequins.

 

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La famille d'acrobates avec un singe, 1905

Gouache, aquarelle, pastel, encre de chine
sur carton, 104x75cm

 

 

 

 

 

 

Les saltimbanques, 1905
Huile sur toile
212,8x229,6cm

 

 

Période du cubisme:

 

Picasso entre dans une nouvelle phase, marquée par l'influence de Paul Cézanne. La peinture peut être un jeu de construction,il décompose, analyse et reconstruit à l'aide de petits cubes comme les pièces d'un puzzle qu'on assemble une a une pour obtenir la figure entière. La peinture est d'une seule couleur, les tons plus ou moins foncés suggèrent le relief.

 

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300px-Picasso_-_Le_pigeon_aux_petits_pois_1911.jpg

 

Portrait de Kahnweiler, 1910
Huile sur toile
100,6x72,8cm

 

 

 

Pigeon aux petits pois
1911, huile sur toile
65x54

 

 

 

 

 

 

 

Période des papiers collés

 

Picasso se rend compte que la lecture de ses toiles cubiques devient difficile, pourquoi ne pas faire un tableau autrement qu'avec des pinceaux et des couleurs ? Il utilise donc des boîtes en carton, du papier collé, de la toile cirée...

 

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violon.jpg

 

Nature morte à la chaise cannée

1912, huile et toile cirée sur toile encadrée

37x29cm

 

 

 

 

violon, 1913/1914
Boite en carton, gouache, fusain, craie
                                                    51,5x30x4

 

 

 

 

 

 

 

Citations:

 

"Un tableau ne vit que par celui qui le regarde."

"On met lomgtemps à devenir jeune."
"Je ne peins pas ce que je voit, je peint ce que je pense."
"Tout ce qui peut être imaginé est réel."
"J'essaie toujours de faire ce que je ne sait pas faire, c'est ainsi que j'espere apprendre à le faire."

 

Oeuvres de lui:

 

Picasso-la-femme-qui-pleure.jpg

le-reve-1932.jpg

 

La femme qui pleure
26 octobre 1937

huile sur toile
59,5x49cm

 

Ce portrait symbolise la douleur
des femme espagnoles
confrontées à la guerre civile.

Le rêve, 1932

Huile sur toile, 130x197


Ce tableau représente Marie-thérèse Walter,
sa jeune conquete révant sur un fauteuil.

 

 

picasso_crucifixion.jpg

 

 

 

La crucifixion, 1930

 

Huile sur contreplaqué

 

La crucifixion est l'un des thèmes
les plus représenté dans la peinture

religieuse européenne.

 

maya.jpg

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Maya à la poupée, 1938
huile sur toile
60x74cm

 

Ce tableau représente le portrait de sa fille.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

gurenica_compo_triangle.gif

                                                          Guernica, 1937, huile sur toile 349,3x776,6cm Madrid

 

 

 

 

Analyse de l'oeuvre

 

 

Contexte:

 

Ce tableau a été créé, en quelques semaines, sur commande des républicains pour le pavillon espagnol de l'exposition universelle de Paris de 1937. Cette toile inspirée du bombardement de la ville de Guernica le 26 avril 1937, devient le symbole des horreurs de la guerre. Picasso est terrifié, il veut exprimer sa révolte et montrer l'ampleur du massacre.

 

Description:

 

Ce tableau est monochrome (Blanc, gris, noir) symbole de mort. On peut voir des animaux et personnages déformés.

Pour montrer la souffrance, il allonge les membres, défforme les visages et les corps.

La toile est découpée en plans triangulaires.

La lecture du tableau se fait de droite à gauche à l'inverse du sens normal de lecture.

 

Au centre du tableau, la lampe, celle-ci domine la scène. Elle a la forme d'un oeil ce qui peut représenter l'oeil du peintre qui souhaite montrer sa perception.

Le taureau à gauche est le symbole de l'Espagne (corrida), il représente le monstre.

La mère juste en dessous du taureau représente le peuple qui souffre, elle tient un enfant mort dans ses bras.

Le personnage de droite est brûlé vif, il crit et pleure, signe de souffrance.
Le personnage au centre, allongé sur le sol est démembré, cela montre la violence et le combat jusqu'à la mort.

L'épée brisée est symbole de défaite, la fleur juste à côté, effacée est le signe d'un espoir qui disparait.

 

Sources:

 

Sites:

 

http://www.evene.fr/citations/pablo-picasso?page=4

http://kalideodie.free.fr/guernica.htm

http://www4b.ac-lille.fr~gsandbethune/IMG/pdf/cours_sur_Guernica_Pablo_Picasso-3.pdf

http://fr.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso

http://ecbaill.free.fr/dossiers/picasso/picasso.htm

 

Bibliographie:

 

1977 : Pierre Daix, La Vie de peintre de Pablo Picasso, Paris, Editions du Seuil, 414 pages

1990 : William Rubin, Picasso et Braque. L'invention du cubisme, Flammarion
1996 : Léo Steinberg, Trois études sur Picasso, coll. Arts et Esthétiques no 9, Éditions Carré
2009 : Pierre Daix, Picasso (biographie), Hachette littérature, 622 pages

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11 novembre 2012 7 11 /11 /novembre /2012 20:05

GEORGE SEURAT

Georges Seurat 1888

 

George Seurat, est né en 1859 à Paris, et mort en 1891 dans la même ville. C'est un artiste peintre. Il avait pour mouvement artistique, le pointillisme. C'est lui qui a fait naître ce courant artistique en France au XIXsiècles. Issu de l'impressionniste, il consiste à peindre par juxtaposition de petites touches de peinture de couleurs primaires (rouge, bleu, jaune) et de couleurs complémentaires (orange, violet, vert). On perçoit néanmoins des couleur secondaires, par le mélange optique des six différents tons seulement.

En 1877, il s'inscrit aux Beaux-arts. Ses études sont interrompues par son service militaire qu'il effectue à Brest, où il réalise de nombreuses esquisses de bateaux, de plages et de la mer. En 1882, Georges Seurat se consacre à la maîtrise du noir et blanc et commence à peindre réellement. Il achève, en 1884,Une baignade à Asnière, le premier des sept grands tableaux qu'il va peindre dans sa courte vie. 


UNE BAIGNADE A ASNIERES

Une baignade à Asnières :

1884

Huile sur toile

201 × 300 cm

 

Georges Seurat 015

Le canal de Gravelines :

1883-1884

Huile sur toile
73 × 93 cm

 

seurat.models-copie-1.jpg

Les poseuses :

1887-1888

Huile sur toile

39,4 × 48,7 cm

 

images.jpg

Le chahut :

1889-1890

Huile sur toile

171,5 × 140,5

800px-Georges_Seurat_031.jpg

Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte – 1884-1886 :

205,7 × 305,8 cm

Huile sur toile

Seurat a peint ce tableau en 1884-1886 sur l'île de la Grande Jatte appelée aujourd'hui Île de Jatte, située sur la Seine, entre Neuilly-sur-Seine, et Levallois-Perret sur sa rive droite, Courbevoie et le quartier d'affaires de La défense sur sa rive gauche. Elle a été rendue célèbre par les peintres impressionnistes qu'elle a inspirés, en particulierClaude Monet, Vincent Van Gogh et Alfred Sisley et bien sûr son peintre Seurat. Ce tableau fera sont plus grand succès.



Autres peintures :

« Les Pêcheurs à la ligne »

« Les terrassiers »

« La Tour Eiffel » 



Citations / phrases de lui :
« Plus nous serons nombreux, moins nous aurons d'originalité. »
« Les littérateurs et les critiques voient de la poésie dans ce que je fais. Non j'applique ma méthode c'est tout. »
« L'art c'est l'harmonie. L'harmonie c'est l'analogie des contraires, l'analogie des semblables, de ton, de teinte, de lignes. »



Les site :

http://www.impressionniste.net/seurat.htm

http://fr.wikipedia.org/wiki/Georges_Seurat

http://art.mygalerie.com/les%20maitres/seurat.html

http://membres.multimania.fr/seurat/Seurat/biographie.html

http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/seurat/

Livre : SEURAT

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