Blog des 2 D de LOTH 2013-2014

William Turner

Biographie

Joseph Mallord William Turner est un peintre, un aquarelliste et un graveur britannique. 

Il est né le 23 avril 1775 à Londres et il est mort le 19 décembre 1851 à Chelsea à 76 ans.

Ses mouvements sont l'Académisme et le Romantisme.

Il est également considéré comme un précurseur de l'Impresionnisme.

Turner est un grand voyageur : l'Italie, la France, les Pays-Bas, tous les coins de l'Angleterre... Il a vu beaucoup de choses dans sa vie, des choses qui l'inspireront tout au long de sa prestigieuse carrière.

Il a pour modèle d'inspiration Claude Gelée, dit Le Lorrain.

On peut retenir quelques dates importantes de sa vie :

Le 11 décembre 1789, à 14 ans, il fait son entrée à L'Académie Royale des Arts, à Londres.

En 1796, à 21 ans seulement, on expose pour la première fois une de ses oeuvres : "Pêcheurs en mer" (huile sur toile)

En 1802, à 27 ans, il devient membre de l'Académie.

En 1804, à 29 ans, il possède sa propre galerie à la Tate Gallery de Londres.

En 1807, à 32 ans, il est nommé professeur de perspective à l'Académie.

En 1819, à 44 ans, il séjourne en Italie, séjour qui l'aura beaucoup inspiré, il y reviendra au cours de sa vie.

Ici à droite, son autoportrait peint en 1798.

William Turner en 5 lieux 

Turner naît à Londres, à Covent Garden.

Il fait sa brillante carrière à l'Académie Royale.

La majorité de ses oeuvres est conservée à la Tate Gallery de Londres.

Il meurt à Chelsea et il est enterré à la cathédrale Saint Paul dans la capitale anglaise.

Quelques oeuvres :

La traversée du ruisseau

Nom original : Cross the brook

Huile sur toile peinte en 1815

Dimensions : 193 cm x 165 cm

Emplacement actuel : Tate Gallery, Londres

Pêcheurs en mer

Nom original : Fishermen at sea

Huile sur toile peinte en 1796

Dimensions : 91 cm x 122 cm

Emplacement actuel : Tate Gallery, Londres

Boulevard des Italiens

Nom original : Paris-Boulevards

Aquarelle peinte en 1832

Dimensions : 13,5 cm x 18,5 cm

Emplacement actuel : collection privée

La bataille de Trafalgar

Nom original : The battle of Trafalgar

Huile sur toile peinte en 1823-1824

Dimensions : 259 cm x 365,5 cm

Emplacement actuel : National maritime museum (musée national maritime), Londres

Analyse plus poussée d'une oeuvre

Pluie, vapeur et vitesse

Nom original : Rain, steam and speed-The great Western railway

Huile sur toile peinte en 1844

Dimensions : 91 cm x 121,8 cm

Emplacement actuel : National gallery (galerie nationale), Londres

Description

Sur cette toile, on peut voir un train passant sur un pont, au dessus d'une rivière. Il y a un paysage brumeux, à droite, des champs, une ville au loin. A l'avant de la locomotive noire, on peut voir quelque chose qui brille, comme si cette chose brûlait, incandescente. Il semblerait que cela figure la chaudière poussée à sa capacité maximale.

Le train semble surgir d'un rideau de pluie et de brouillard mêlés.

Le ciel

Il est particulièrement brumeux, rappelant le climat anglais, mais surtout, la façon personnelle qu'a Turner de représenter la lumière.

Le pont 

C'est le pont de chemin de fer de Maidenhead, un pont de brique peu élevé qui rend la circulation des trains plus rapide grâce à ses 4 voies. De plus, il s'agit du chemin de fer le plus rapide d'Europe à son époque.

Le fleuve

Ce fleuve, c'est la Tamise. Il se distingue à peine du ciel, avec son aspect brumeux.

Le train

C'est un des modèles les plus perfectionnés de l'époque : un "Firefly Class". Turner aime observer ce genre de train. Il faisait la gloire de l'Angleterre en atteignant la vitesse de 150 km/h.

Il semble aller très vite, car l'avant de la locomotive semble brûlant et on peut également voir de la fumée au dessus de lui.

Interprétation

Sur ce tableau, la perspective est faite de sorte que l'oeil soit attiré vers le train, tout le reste est organisé autour de lui.

Cette oeuvre, qui semble imprécise, trop floue, a en réalité un assez grand nombres de détails importants qu'il faut bien observer.

Pour approfondir encore plus l'analyse de cette oeuvre, il faut "fouiller" un peu sur le tableau.

Et on comprend que Turner ne parle pas seulement des progrès techniques, mais des changements du monde et des hommes en général...

A l'arrière plan, on observe un paysage de campagne, paisible et simple. A droite, en bas, on peut voir un laboureur dans son champ ; à gauche, en bas également, on voit des gens (des filles ?) qui semblent danser au bord de l'eau, un bateau qui navigue paisiblement, et pour finir, un vieux viaduc...

Cette oeuvre a deux facettes : d'un côté, la technologie semble s'intégrer parfaitement avec la nature.

La puissance humaine semble être harmonie avec elle ; le monde de l'industrie, la machine s'intègre à une très belle vision du paysage, comme dans un rêve.
La lumière transparaît à travers lui, elle le fait "vibrer". On a l'impression de voir un instant fugace, le train passera comme un éclair, en quelques secondes. Cette impression de vitesse est encore accentuée par l'aspect impreécis des wagons.

D'un autre côté, Turner dénonce les dangers de l'industrie :

Les progrès techniques de l'homme peuvent être passionnants mais ils peuvent également représenter un danger. La locomotive arrivant à toute vitesse semble un peu effrayante, incontrôlable, impossible à stopper comme la course de l'industrie dans sa quête de performances.

Et dernier détail, mais pas des moindres : devant la locomotive, sur la voie, on peut remarquer en faisant très attention qu'il y a un lapin, ou un lièvre qui court éperdument, à toute vitesse.

La question que William Turner cherche à nous poser est : et si la machine dépassait la nature ?

Ce n'est sans doute pas dans l'ordre des choses...

Les 5 thèmes principaux de William Turner

La nature, les paysages                                                                                                                      

Nom : Paysage avec une rivière

Huile sur toile peinte en 1845

Dimensions : 93,4 cm  x 123,5 cm

Emplacement actuel : Le Louvre, Paris

Les progrès des hommes, la technologie, l'industrie

Nom : Le dernier voyage du Téméraire, ou Le téméraire remorqué à son dernier mouilage pour y être détruit

Huile sur toile peinte en 1839

Dimensions : 91 cm × 122 cm

Emplacement actuel : National Gallery (galerie nationale), Londres

Rapport avec le thème : fin d'une ère pour ce navire, vétéran de la bataille de Trafalgar. Il est remorqué pour être détruit, trop vieux aux yeux des hommes, trop loin des performances désormais exigées.

La lumière, les jeux de couleurs

Nom : Lumière et couleur

Huile sur toile peinte en

Dimensions : 78 cm x 78 cm

Emplacement actuel : Tate Gallery, Londres

Ici, on voit l'importance que Turner accorde à la lumière dans ses oeuvres.

Ici, Il représente Dieu en temps que lumière des hommes ; William Turner a une façon très personnelle de la peindre et de la faire vivre, d'où son surnom : le peintre de la lumière.

Les éléments, la fragilité des hommes face à eux, la mer

Nom : Tempête en mer

Huile sur toile peinte en 1842

Dimensions : 91 cm x 122 cm

Emplacement actuel : Tate Gallery, Londres

La mythologie, la religion

Nom : Didon construisant Carthage ou L'ascension de l'Empire carthaginois

Huile sur toile peinte en 1815

Dimensions : 26 cm x 36,2 cm

Emplacement actuel : National Gallery (galerie nationale), Londres

Ici, on asiste à une scène de l'Eneide de Virgile, qui est une épopée ; on est donc dans le domaine de la mythologie.

Quelques citations de William Turner

"Mon affaire est dessiner ce que je vois, non ce que je sais."

"La peur est une corde qui retient l'esprit faible."

"Le manque d'appréciation est une trahison à l'âme de l'artiste."

"C'est seulement quand nous n'avons plus peur que nous commençons à créer."

Citations parlants de William Turner

"Pour lui, le plus important n'était pas de reproduire, mais de rendre sensible, de visualiser une sensation, un sentiment."

A.C. Krausse, tiré de l'Histoire de la peinture de la Renaissance à nos jours, Gründ, 1995

"Ses tableaux paraissent peints, non avec de vulgaires pâtes, mais avec des couleurs immatérielles."

Paul Signac, tiré D’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme, la revue blanche, 1899.
 

Autre chose également, ce n'est pas une citation mais j'ai trouvé ça très beau :

On dit de William Turner qu'il était le peintre de la lumière...

Les livres les plus intéressants parlants de William Turner

Turner, Michael Bockemühl, Taschen

Venice, Turner's watercolours (Venise, les auqarelles de Turner), introduction d'Andrew Wilton, Bibliothèque de l'image 

Turner, Damien Sausset et Térésa Faucon, Flammarion

Turner, l'incendie de la peinture, Olivier Meslay, Gallimard

Turner, John Gage, citadelles et mazenod

Sites (les 6 ou 5 premiers sont les plus intéressants et les plus complets à mon goût)

http://www.tate.org.uk/visit/tate-modern

http://fr.wikipedia.org/wiki/Joseph_Mallord_William_Turner

http://www.picturalissime.com/turner_william.htm

http://www.grandspeintres.com/turner/biographie.php

http://www.impressionniste.net/turner.htm

http://www.eternels-eclairs.fr/tableaux-turner.php

http://www.evene.fr/celebre/biographie/joseph-mallord-william-turner-17038.php

http://universdesarts.fr/biographie/73/turner-william.html

http://www.dicocitations.com/auteur/4425/Joseph_Mallord_William_Turner.php

http://www.premiere.fr/Star/William-TURNER-71162/%28view%29/citations

Biographie : 

Jean-François Millet est né le 14 octobre 1814 à Greville, dans la manche. C’est un peintre réaliste, pastelliste, graveur et dessinateur français du XIXème siècle. Jusqu'à ses 20 ans il travaille dans la ferme familiale mais en 1833 il est envoyé à Cherbourg par son père. Il y apprend le métier de auprès peintre Paul Dumouchel et de Langlois Chèvreville. Grâce à une bourse octroyée par la mairie de Cherbourg et le conseil général de la Manche, il part à Paris pour continuer son apprentissage dans l’art. Il s’y installe en 1837 et étudie à l’école des Beaux-Arts dans l’atelier du peintre Paul Delaroche. Après il revient à Cherbourg où il réalisera la vente de ses tableaux majoritairement des portraits. En 1840 lorsqu’il revient à Paris, il se détourne du model officiel moderne, il suit l’influence d’Honoré Daumier. A partir de 1842 il expose au salon. En 1848 il expose Le Vanneur qui sera acheté pour cinq-cents francs. De 1849 à 1854 il s'installe à Barbizon. Il y a peint beaucoup de seine rurale (L'Angelus). Il est également l'un des fonsateurs de l'école de Barbizon. En 1853 il se mari avec Catherine Lemaire qu’il a rencontré à Cherbourg. En 1870 il rentre à Cherbourg pour rejoindre sa famille et ses amis. Il meurt le 20 janvier 1875 à Barbizon, en Seine-et-Marne.

Et voici une de ses oeuvres très célèbre : 

"L'Angélus", 1858, Musée d'Orsay à Paris 

Huile sur toile

Deux ouvriers, en plein travail au champs ont posés leurs outils pour se mettre a prier. On devine, à l'arrière plan L'Angélus sonner au clocher lointain.

Ses citations : 

Comme beaucoup de peintres, Millet avait des citations. 

Il a dit :

- " C'est le coté humain franchement humain, qui me touche." 

- " Il faut servir le vulgaire à l'expression du sublime."

- " Ce n'est pas tant les choses representées qui font que le besoin qu'on a eu de les représenter, et ce besoin lui même a créé le degré de puissance avec lequel on s'en est acquitté." 

Il était surnommé le peintre des paysans. Cela se remarque rapidement, Millet a peint beaucoup de paysans au cours de sa carrière.

Par exemple : 

" Le semeur", 1850, Musée des Beaux Arts de Boston

 Huile sur toile

Millet a peint un paysans en plein geste pour semer des grains. Le tableau "Les Moissoneurs", est la suite de ce tableau. 

Les thèmes principaux de Millet :

Les thèmes de Millet sont tous très proche. 

Il aimait peindre des portraits et des autoportraits. Comme par exemple son autoportrait, que j'ai affiché avec sa biographie. 

La réalité a beaucoup inspiré Millet. 

" Le Vanneur", 1848, Musée d'Orsay à Paris

Huile sur toile

Millet a peint ce tableau après les récolte desatreuses de 1846. Il à voulu représenter la réalité de la vie paysanne.

La plupart de ces tableaux sur la vie paysanne s'inscrivent dans ce thème. 

La vie paysanne et les milieux ruraux l'ont également inspirés. 

" Les Glaneuses", 1857, Musée d'Orsay à Paris

Huile sur toile

Ce tableau se refère a la vie paysanne, mais également à la réalité.

Analyse : Sur ce tableau figurent deux vieilles femmes et une jeune, elles sont parmi les plus pauvres car elles sont contraintes de glaner des épis de blé afin de se nourrir. Ce tableau illustre ainsi la misère de la population rurale. On peut observer les geste du métier de glanage qui sont se baisser, ramasser et ensuite se relever. La pauvreté est renforcée par l'apparente richesse de la récolte de blé chargée sur les charrettes en arrière plan. Dans le ciel, Millet a représenté des oiseaux, qui eux aussi sont prêts a picoré les grains encore présents. A l'époque, le sujet du glanage était très illustré. Dans son tableau " Les Paysans" Balzac met en évidence le fait que le comte de Montcornet s'oppose au glanage. Quelques années plus tard, Jules Breton a peint des glaneuses qui étaient heureuse d'effectuer cette tâche.

" Bergère avec son troupeau", 1863, Musée d'Orsay à Paris

Huile sur toile

Pour cette oeuvres Millet a dit : 

" Le côté gai de la vie ne se montre jamais à moi... La plus gai chose que je sais, c'est le calme, le silence, qui est si doux, que ce soit dans la forêts ou dans les terres cultivées." 

Les glaneuses, L'Angélus, Le Vanneur et Le Semeur font également partis de ces deux thèmes. 

Bibliographie : 

Les livres 

- Abécédaire de Millet, 1998

- Robert L. Herbert, Jean-François Millet, Edition des musées nationaux, 1975

- André Fermigier, Jean-François Millet, découverte du XIXe siècle, 1997

- Théophile Sylvestre, Ecrits choisis, L'Echoppe, 1990 --> Biographie

- André Girodie, Jean-François Millet, peintre 1814-1875, 1901

Les sites 

- www.wikimanche.fr

- www.wikipedia.fr 

- www.universalis.fr

- www.larousse.fr/encyclopédie

- www.musee-orsay.fr

I)les dates qui ont marqué sa vie:

-Il est née le 28 septembre 1823 à Montpellier;
-en 1840 il rentre aux beaux-arts de paris;
-il devient célèbre avec son tableau «La Naissance de Venus» en 1863;
-lors de l'Exposition Universelle de 1867 il reçoit la croix de chevalier de première classe de l'ordre du mérite de Saint Michel  et reçoit également pour la deuxième fois la médaille d'honneur du salon;
-membre du jury en 1876 il refuse deux œuvres de Manet, il est de plus en plus mis en opposition avec les impressionnistes et les naturalistes, surtout avec Manet, et Cabanel est souvent critiqué par Zola;
-il décède le 28 janvier 1889 à Paris, puis en 1892 un monument est construit en son honneur par Jean Camille Formigé, avec un buste en marbre et sculpture;
-pendant l'été 2010 au musée Fabre a lieu la première rétrospective sur Alexandre Cabanel: la tradition du Beau, cette rétrospective regroupe beaucoup de tableaux et dessins de lui qui viennent de chaque coin du monde, par exemple du Dahesh Muséum of Art à New-York, du Musée de l’ermitage à Saint-Pétersbourg.

II)les lieux qui ont marqué sa vie

-Montpellier: c'est son lieu de naissance, il y commence son apprentissage à l'école des Beaux-arts;
-Paris: il y va en 1839 grâce à une bourse, y passera la majeur partie de sa vie et y meurt en 1889;
-le «Salon» lieu d'exposition où il a connu son heure de gloire grâce a la «Naissance de Venus»
-l’École des Beaux-arts de Paris: il y a reçut tous les honneurs, y a formé plus de 100 élèves. Il était lui même élève de François-Edouard Picot.

III) Phrases prononcé par lui:

-Il a affirmé se consacrer: «à la peinture, [sa] seule maîtresse»
-Il défend Manet et son portrait pertuiset, le chasseur de lion  en s'écriant: «Messieurs, il n'y en a pas un qui soit fichu de faire une tête comme ça en pleine air!», ce qui prouve que Zola exagère  en opposant catégoriquement Cabanel à Manet, Cabanel est capable de reconnaître un beau tableau et reste malgré tout ouvert contrairement a ce que veut faire croire Zola (même si Cabanel reste un peintre académiste).

IV) Phrases dites sur lui: 
 
-De tous les peintres académiste, Cabanel fût à la fois le plus adulé et le plus critiqué» Jean Nougaret, académie des sciences et Lettres de Montpellier,
-M. Cabanel […] à montré beaucoup de douceur et d'indulgence» Zola dit cette phrase ironiquement car selon lui Cabanel est farouchement opposé aux Impressionnistes alors que Cabanel est plus ouvert que ça.

V) les sites les plus intéressants parlant de lui:

-http://www.larousse.fr/encyclopedie/peinture/Cabanel/15137
c'est le site du Larousse
-http://fr.wikipedia.org/wiki/Alexandre_Cabanel
c'est le site de wikipédia
-le site du musé Fabre à Montpellier
-http://www.insecula.com/contact/A005672.html
c'est le site d'Insecula
-http://www.latribunedelart.com/alexandre-cabanel-1823-1889-la-tradition-du-beau-article002763.html
c'est le site de la tribune de l'art
 

VI) les livres  parlant de lui:

 -Alexandre Cabanel, 1823-1889 : la tradition du beau , paru en 2010
-La gloire de Victor Hugo : Catalogue exposition, Paris, Grand Palais, 1985-1986
-Chef d'oeuvre de la peinture : Musée Fabre, Montpellier
-Maestà di Roma,Da Napoleone all'Unita d'Italia : Catalogue des dessins, Académie de France à Rome, Villa Médicis, 2003


Ses œuvres:

la naissance de Venus



 il à réalisé ce tableau en 1863 qui est exposé Musée d'Orsay à Paris, qui connût le succès quand il fut exposé au Salon  où elle fût acquise par Napoléon III. C'est un parfait exemple de l'art conventionnelle qui emporte l'adhésion du public qui ne choque personne. Le thème mythologique n'est ici, qu'un prétexte pour aborder le nu idéal, mais lascif. Cabanel représente le nu académique, on voit la déesse Vénus sur l'océan étendue lascivement avec des anges voletant au dessus d'elle; elle est entièrement nue avec la peau parfaite et pâle, les formes idéales; elle représente bien l'idéalisation du nu du 19ème siècles
Il y a deux partie qui s'affronte autours de cette œuvre:
-ceux qui, comme Théophile Gautier, estiment que cette déesse représente la femme parfaite, qui charme et séduit sans procurer du désir, qu'elle est élégante, toute en finesse, moins nature mais plus belle poétiquement parlant et plus pure. C'est une œuvre fascinante
faites de coloris «frais» et du coup dégage de la fraîcheur, dans le bon sens du terme ( toujours d'après ceux qui défende cette œuvre).
-en opposition, il y a ceux qui, comme Émile Zola, critique vivement cette œuvre l'accusant de n'être absolument pas réaliste, d'ailleurs Zola lui reproche que la déesse a l'air d'être en «sorte de pâtes d'amande blanches et rose». Zola dit «faire peu de cas de toute la poudre de riz de M. Cabanel» ce qui signifie qu'il trouve que Cabanel embellie trop la réalité et fait un nu qui n'a pas d’intérêt puisque pas réaliste. Zola dit également préférer  les œuvre de Manet aux œuvres sans vie de Cabanel , se soucier très peu de ces images coloriées et de ces toiles où il ne trouve rien de vivant et déclarer que seul le tempérament l'intéressait (ceux qui sont des mots très dure! ).
 

Écho

Cette toile à été réalisé en 1874 et est actuellement au Metropolitan Museum of Art à New York, on peut dire aussi la nymphe écho, elle représente encore une femme nue même si elle est à demi couverte cette fois ci.  Dans la mythologie grecque , Zeus trompa Héra avec cette nymphe, qui avait une superbe voix, et Héra pour punir Écho d'avoir séduit Zeus et sûrement un peu par jalousie lui retira sa voix et la condamna a répéter la fin des phrases dites par les gens. C'est l'explication que donnais les grecs pour expliquer le phénomène de l'écho. Sur le tableau on la vois l'air horrifier certainement après avoir été punit par Héra. On voit toujours la peau parfaite comme les seins, mais le décor sur le quelle elle est assis est moins beau plus sombre, et moins tout lisse, uniforme, il exprime plus le cri (Édouard Munch le cri), comme la tête de la nymphe.

L'ange déchu

Il a peint cette œuvre en 1848 et elle est conservé au Musée Fabre a Montpellier. Elle est, selon les so

urces un authentique chef d’œuvre du romantisme tardif. Dans la religion chrétienne l'ange déchu c'est le diable, or là, si on zoome sur la tête de l'ange on le voit en train de pleurer, comme si il regretter ses erreurs, qu'il se repentait. Cabanel pose donc la question: que ce serait-il réellement passé si le diable avait regretter et quelle conséque

nce cela aurait eu sur l'humanité? Ce n'est plus une scène de la mythologie grecque mais une scène de la religion chrétienne, on est donc bien dans de l’académisme.



Phèdre



Cette toile a été peinte en 1880 et est conservé au musée Fabre a Montpellier. Les contrastes de lumière mettent en valeur la dimension tragique de cette scène de désespoir qui représente le sublime, qui est un idéal de la peinture
académique . On dirai que Cabanel a représenté l’ensemble des tourments de l’héroïne de Racine, qui est une pièce de théâtre, on voit le corps de l’héroïne quasiment livide et les membres alanguis de sa servante.


Ophélia


Cabanel la peinte en 1883. Ophelia est un personnage dans Hamlet qui devient folle après la mort de son père. Elle est retrouvé noyé dans un ruisseau, on ne si pas si elle c'est suicidé ou pas. On retrouve les
caractéristiques de Cabanel: peau lisse et claire, arrière-plan uniforme, couleur rose, blanc, brun. La lumière éclaire Ophélia, on la voit en train de chuter accidentellement ou pas?

 Honoré Daumier (1808 - 1879)

Honoré Daumier est né à Marseille le 26 février 1808.

C'est un peintre caricaturiste et sculpteur français. Il a débuté en tant que commis libraire, il fait son apprentissage chez un imprimeur lithographe, et étudie les maîtres dont Rubens et Goya en particulier, au Louvre.

Il a fait ses premiers dessins en 1829 pour la revue "La Silhouette" après avoir rencontré Charles Philipon. 

Il a été condamné en 1832 à six mois de prison qu'il a purgé à Sainte-Pélagie à cause de sa caricature de Louis-Philippe en Gargantua dans la revue "La Caricature". 

Il arrête son activité de caricaturiste politique en 1835 à cause de la mise en place d'une loi qui instaurait la censure de la presse et donc la cessation de la parution de la revue "La Caricature".

Il commence à se consacrer à la satire des moeurs bourgeoises qu'il poursuivra jusqu'en 1848. 

En 1849, il expose son premier tableau "Le Meunier, son fils et l'âne" au Salon. 

La première exposition rétrospective de ses oeuvres dans la galerie Durand-Ruel date de 1878.

Il meurt à Valmondois le 10 février 1879.

Il est originaire de France, plus précisément de Marseille. Il part vivre à Paris à l'âge de 8 ans. 

En 1865, il part à Valmondois dans une maison située au centre du village. C'est d'ailleurs là qu'il décèdera en 1879.

5 oeuvres principales :

"Gargantua" 

Caricature lithographie d'Honoré Daumier qui date de 1831, qui représente Louis-Philippe 1er, cette oeuvre lui a également valut six mois de prison.

Les 5 thèmes qui inspirent Honoré Daumier et qui ressortent le plus souvent dans ses oeuvres sont : la pauvreté, le théâtre, la vie sociale et politique, les mouvements scientifiques de son époque mais aussi l'Antiquité lorsqu'il publie dans "Le Charivari" 50 planches aux thèmes antiques, dont 17 illustrant l'Odyssée, l'Illiade et le Télémarque de Fénelon.

Il n'y a qu'une seule citation d'Honoré Daumier, c'est la suivante : "Les femme supportent des fardeaux qu'aucun homme ne pourrait supporter".

Citation citant Honoré Daumier : "Ce gaillard là à du Michel-Ange sous la peau !" de Honoré de Balzac.

"Victor Hugo" d'Honoré Daumier

Publiée le 20 Juillet 1849 dans "Le Charivari". C'est une caricature de Victor Hugo qui a été publiée après les élections législatives de 1849. Elu 10e à Paris, ses publications font office de piédestal.

"Capitulation de Sedan" d'Honoré Daumier

Lithographie publiée dans "Le Charivari" en 1870, le 22 septembre. Cette caricature fait référence à la défaite des français lors de la bataille Franco-Prussienne.

"Une discussion littéraire" d'Honoré Daumier

Publiée dans "Le Charivari" le 27 février 1864, il s'inspire du théâtre et de l'attitude des acteurs ainsi que de celle des spectateurs.

"Ecce homo" d'Honoré Daumier 

Expression latine qui veut dire "Voici l'homme", cette oeuvre représente Jésus couronné d'épines. Elle est conservée au musée Folkwang d'Essen.

Analyse :

"Les Poires" d'Honoré Daumier, est une oeuvre qui réflète la détérioration de la popularité de Louis-Philippe 1er, en 1831. 

C'est sous la direction de Philipon que Daumier transforme la figure du roi en poire. Ce fruit représente la bétise et la complaisance. L'altération insensible des traits du visage, produit au final un effet grotesque. 

Parue dans le journal "La Caricature".

Les 5 livres qui parlent le plus d'Honoré Daumier sont : Honoré Daumier - Roi de la caricature Peintre et Sculpteur de Charles Armand Klein ; Honoré Daumier : du rire aux armes de Laurence Goux, Sylvie Gonzalez et Dominique Lobstein ; Honoré Daumier de Pierre Cabanne ; Daumier, sculpteur, les bustes des parlementaires, 1979 de Jean-Claude Romand ; Daumier et la caricature, 2008 de Ségolène Le Men.

Les 5 sites qui parlent le plus de lui sont : wikipédia ; www.honoré-daumier.com ; bnF.fr et arts.forumculture.net.

GEORGE SEURAT

George Seurat, est né en 1859 à Paris, et mort en 1891 dans la même ville. C'est un artiste peintre. Il avait pour mouvement artistique, le pointillisme. C'est lui qui a fait naître ce courant artistique en France au XIXsiècles. Issu de l'impressionniste, il consiste à peindre par juxtaposition de petites touches de peinture de couleurs primaires (rouge, bleu, jaune) et de couleurs complémentaires (orange, violet, vert). On perçoit néanmoins des couleur secondaires, par le mélange optique des six différents tons seulement.

En 1877, il s'inscrit aux Beaux-arts. Ses études sont interrompues par son service militaire qu'il effectue à Brest, où il réalise de nombreuses esquisses de bateaux, de plages et de la mer. En 1882, Georges Seurat se consacre à la maîtrise du noir et blanc et commence à peindre réellement. Il achève, en 1884,Une baignade à Asnière, le premier des sept grands tableaux qu'il va peindre dans sa courte vie. 

Une baignade à Asnières :

1884

Huile sur toile

201 × 300 cm

Le canal de Gravelines :

1883-1884

Huile sur toile
73 × 93 cm

Les poseuses :

1887-1888

Huile sur toile

39,4 × 48,7 cm

Le chahut :

1889-1890

Huile sur toile

171,5 × 140,5

Un dimanche après-midi à l'Ile de la Grande Jatte – 1884-1886 :

205,7 × 305,8 cm

Huile sur toile

Seurat a peint ce tableau en 1884-1886 sur l'île de la Grande Jatte appelée aujourd'hui Île de Jatte, située sur la Seine, entre Neuilly-sur-Seine, et Levallois-Perret sur sa rive droite, Courbevoie et le quartier d'affaires de La défense sur sa rive gauche. Elle a été rendue célèbre par les peintres impressionnistes qu'elle a inspirés, en particulierClaude Monet, Vincent Van Gogh et Alfred Sisley et bien sûr son peintre Seurat. Ce tableau fera sont plus grand succès.

Autres peintures :

« Les Pêcheurs à la ligne »

« Les terrassiers »

« La Tour Eiffel » 

Citations / phrases de lui :
« Plus nous serons nombreux, moins nous aurons d'originalité. »
« Les littérateurs et les critiques voient de la poésie dans ce que je fais. Non j'applique ma méthode c'est tout. »
« L'art c'est l'harmonie. L'harmonie c'est l'analogie des contraires, l'analogie des semblables, de ton, de teinte, de lignes. »

Les site :

http://www.impressionniste.net/seurat.htm

http://fr.wikipedia.org/wiki/Georges_Seurat

http://art.mygalerie.com/les%20maitres/seurat.html

http://membres.multimania.fr/seurat/Seurat/biographie.html

http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/seurat/

Livre : SEURAT